SenzaSenzo

Premonition

2008-01-11T22:28:00.000+01:00

Titolo: Premonition

Regia: Mennan Yapo

Cast: Sandra Bullock, Julian McMahon, Nia Long, Kate Nelligan, Amber Valletta, Peter Stormare

Genere: Drammatico, Thriller

Durata: 110'

Anno: 2007

Nazione: U.S.A.

Produzione: Hyde Park Entertainment, Offspring Entertainment, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), TriStar Pictures

Distribuzione: Eagles Pictures

Trama: Linda Hanson (Sandra Bullock) ha una bella casa, un marito che la ama e due adorabili figlie. La sua vita è perfetta fino al giorno in cui non riceve la terribile notizia che suo marito Jim (Julian McMahon) è morto in un incidente d'auto. Per lei, madre e moglie devota, è la cosa peggiore che potesse accadere. Ma ha immaginato tutto? Quando si sveglia il giorno dopo suo marito è ancora vivo. Sulle prime Linda crede che l'incidente sia stato solo un incubo. Ma poi succede ancora: alcuni giorni si sveglia e Jim è accanto a lei vivo e vegeto, mentre altri giorni si sveglia ed è vedova. Inspiegabilmente vive i giorni in maniera disordinata. La traumatizzante premonizione di Linda dà il via ad una serie di eventi ad incastro e mutevoli. Il suo mondo si capovolge mentre le circostanze surreali la portano alla scoperta che la sua vita potrebbe non essere mai stata come sembrava. Cerca di salvare disperatamente la sua famiglia e così inizia una furiosa gara contro il tempo ed il destino per cercare di salvare tutto ciò che lei e Jim hanno costruito insieme.

Ed ora tocca a me: Non ho trovato critica in giro ma a me questo film non è piaciuto per nulla, troppo confusionario ed a volte toccava la noia, quindi parere negativo.

1408

2008-01-07T10:19:00.000+01:00

Titolo originale: 1408

Regia: Mikael Håfström

Cast: John Cusack, Samuel L. Jackson, Mary McCormack, Jasmine Jessica Anthony, Alexandra Silber, Tony Shalhoub, Emily Harvey, Noah Lee Margetts

Genere: Horror

Durata: 94'

Anno: 2007

Nazione: U.S.A.

Produzione: Dimension Films, Di Bonaventura Pictures

Distribuzione: KEYFILMS

Trama: Il famoso scrittore di libri horror Mike Enslin (John Cusack) crede solo in ciò che può vedere con i propri occhi. Dopo una serie di bestseller che screditano gli eventi paranormali avvenuti nelle case infestate dai fantasmi e nei cimiteri più famosi del mondo, non ha nessuna prova concreta di una vita dopo la morte. La serie di lunghe notti solitarie senza fantasmi di Mike, tuttavia, è destinata a cambiare quando entra nella stanza 1408 del famigerato Dolphin Hotel per il suo ultimo progetto, “Dieci Notti nelle Camere d’Albergo Infestate dai Fantasmi.” Sfidando gli avvertimenti del direttore dell’albergo (Samuel L. Jackson), decide di pernottare – il primo dopo anni - proprio nella stanza che tutti considerano infestata, nella speranza che possa essere l’inizio di un nuovo bestseller. Come molti degli eroi di Stephen King, Mike dovrà affrontare i suoi demoni, passando da scettico a credente, prima di superare la notte...

Claudio Carabba (Corriere della Sera Magazine)

La notte brava da passare nella villa infestata dai fantasmi, è un classico della letteratura nera. Il grande Margheriti costruì sul tema un incubo (Danza macabra), che nella memoria ancora mi spaventa. Stavolta si parte da King, uno che sa bene che i morti a volte ritornano; e sono spesso di pessimo umore. L autore di bestsel ler su alberghi maledetti (con tanto di stelle per classificare lo spavento) incontrerà brutti guai, nella stanza 1408 dell'hotel Dolphin, nel centro di New York. L'uomo è scettico fino al cinismo, forse, perché è stato segnato da un lutto terribile (la malattia fatale della figlia bambina): se Dio non esiste, non ci sono neppure i demoni. Nonostante gli avvertimenti del direttore dell'albergo (o dell'inferno?) lo scrittore apre quella porta con arroganza. Errore. Tutti coloro che morirono là dentro lo assediano; e arriverà anche lo spettro più amato. Il regista corre fra allucinazione e realtà, sino a un cupo finale aperto; qua e là inciampa, ma l'atmosfera è ben creata.

Francesco Alò (Il messaggero)

Il mondo è così disgustoso da giustificare il nichilismo politico di Hostel e Saw. La tortura senza speranza in luoghi sporchi. Le storie di Stephen King a confronto sono favolette in cui contano ancora i rapporti umani, i sensi di colpa, l'ironia, la memoria collettiva e una scenografia di classe. Sublime vintage. Terrorizziamoci all'antica con 1408 di Mikael Håfström, ennesimo europeo a Hollywood che qui adatta un racconto breve del 60enne King. Scrittore disilluso (John Cusack) che demistifica per lavoro i luoghi "maledetti", si chiude nella stanza 1408 di un hotel newyorkese per dimostrare che è tutta una balla. Cambierà idea. Muri che grondano sangue, freddo polare, cornette che si sciolgono, fax che spediscono indumenti di gente defunta, sveglie che si trasformano in conti alla rovescia mortali, fantasmi di ex clienti che si buttano dalla finestra. Il richiamo a Shining è forte. La camera è un mostro fisico ma soprattutto il passaggio che permette al protagonista di entrare nella propria testa e rivivere traumi micidiali. John Cusack e la stanza 1408 sono fantastici. Gran coppia. Rendiamo grazia a nonno King, ormai raffinato e antico come Edgar Allan Poe.

Ed ora tocca a me: Bel film, buona interpretazione di Cusack che permette a chi lo guarda di sentirsi parte degli effetti grafici "che sta vivendo", buon livello di tensione, direi al punto giusto. Merita un bel 7.

Alla prossima ;)

Finalmente scrivo di nuovo :) Zandomeneghi De Nittis Renoir. I Pittori della felicità.

2007-04-05T09:22:00.000+02:00

Barletta torna ad ospitare una grande mostra sull’Ottocento.

In concomitanza con l’inaugurazione della Pinacoteca Giuseppe De Nittis, nella sede di Palazzo della Marra di Barletta, si apre la mostra ”Zandomeneghi De Nittis Renoir. I pittori della felicità” a partire dal 31 marzo fino al 15 luglio 2007.

La splendida struttura barocca del Palazzo della Marra, restaurata e riallestita per ospitare stabilmente la collezione De Nittis di Barletta, diventa un contenitore d’arte di livello internazionale, dove all’esposizione museale permanente si abbina una sede espositiva per eventi temporanei ed un luogo di riferimento per gli studi e la ricerca sull’arte dell’ Ottocento.Il contesto ha un fascino innegabile e l’affaccio sul mare, il caffè letterario, il bookshop, elevano la Pinacoteca Giuseppe De Nittis di Barletta ai più alti livelli europei di fruibilità dell’arte.

La mostra, a cura di Tulliola Sparagni ed Emanuela Angiuli, si compone di circa ottanta opere tra dipinti, disegni, pastelli e grafiche di Zandomeneghi, De Nittis e Renoir.

I tre artisti, protagonisti della scena artistica parigina, ognuno con una propria cifra stilistica e in particolari periodi di attività, rivelano, nei rapporti che la mostra mette in risalto, legami di amicizia, di sensibilità impressionistiche, di vicinanze, di contraddizioni, che segnano l’originalità stessa dell’esposizione e degli studi che ne scaturiscono.

Mentre De Nittis infatti percorre, negli anni ’70 e nei primi anni ’80 dell’Ottocento, una strada già intrapresa con forte originalità, fuori dagli schemi classificatori del tempo, Zandomeneneghi e Renoir vivono un rapporto che diventa sempre più confinante sia in termini stilistici che nei contenuti delle rappresentazioni del mondo borghese cui si ispirano.

Nella mostra di Barletta, si possono ammirare opere eccezionali di Zandomeneghi come Luna di miele (A pesca sulla Senna) (1878 c.) proveniente da Palazzo Pitti, Il Moulin de la Galette dalla Fondazione Enrico Piceni, Al Caffè (1884) dalla collezione Mondadori di Palazzo Te a Mantova; e capolavori di Renoir quali Le Chapeau épinglé (Cappelli estivi) (1894) della Fondazione E.G. Bührle di Zurigo, Paesaggio di Cagnes (1905-8) dalla Fondazione Magnani Rocca, la bellissima Baigneuse (Nudo reclinato) (1902) dalla Galleria Beyeler di Basilea, e molte altre ancora, tra dipinti, pastelli e incisioni, provenienti da importanti collezioni pubbliche e private.

Accanto a queste alcune opere esemplari di Giuseppe De Nittis, dall’omonima pinacoteca, come Paesaggio, Primavera, Veli e sete.Nonostante le recenti mostre di Milano, Roma e Castiglioncello dedicate a Zandomeneghi, che hanno illuminato la fitta trama di rapporti dell’artista con gli amici dell’ambiente toscano macchiaiolo e con gli impressionisti, l’opera dell’artista presenta vaste zone di ombra e resta in fondo ancora una figura in bilico tra i richiami alla cultura e alla tradizione italiana e le novità stilistiche introdotte dall’impressionismo.

Ultimo dei tre italiens de Paris a raggiungere la capitale francese, dove arriva nel giugno del 1874, Federico Zandomeneghi, come Boldini e De Nittis, vi trova gli stimoli creativi per elaborare uno stile personale, in cui si fondono echi italiani e suggestioni francesi.

Zandò è sicuramente l’artista italiano che ha avuto rapporti più profondi, duraturi e collaborativi con il gruppo impressionista, partecipa alle collettive del gruppo e stringe amicizia con Degas, Pissarro e Guillaumin, ma nello stesso tempo, come i suoi connazionali, mira ad imporre un proprio stile personale non completamente adagiato sugli stilemi della scuola impressionista.

Il reale confronto tra Zandomenghi e Renoir non avviene così quando l’artista veneziano aderisce al gruppo dei dessinateurs, capeggiati da Degas in contrapposizione ai coloristes quali Monet, Renoir, Pissarro.

È invece soprattutto dopo il 1894, dopo il contratto stretto con il mercante Durand-Ruel, che l’artista italiano viene a confrontarsi con le opere dei due artisti di punta della galleria, Degas e Renoir, presentandosi persino come un loro surrogato, un sostituto, un equivalente, utilizzato da Durand-Ruel per accontentare il mercato, in particolare americano.

In questo periodo i due pittori hanno atelier vicini, sicché l’incrocio artistico si fa in molti casi serrato. Ad esempio nei languidi nudi o nello sguardo attento e amoroso nei confronti della donna, delle sue movenze e dei suoi momenti di vita intima e quotidiana.

Negli anni tardi della loro produzione (Zandomeneghi muore nel 1917, Renoir nel ’22) entrambi sviluppano un interesse spiccato, inconsueto tra gli impressionisti, per la pittura di fiori e la natura morta, in particolare i pesci.

Allo sfarzo di gemme della pittura sensuale e morbida di Renoir, in particolare durante il periodo nacré , risponde Zandomeneghi con la sua sontuosa tavolozza, ora caratterizzata da toni gravi, ora squillante e festosa negli oli e nei pastelli.

Guardando, ascoltanto e discutendo, mi trasformai e come per tutti gli altri da Pissarro a Degas da Manet a Renoir la mia vita artistica fu una successione di infinite evoluzioni.

Quanto alla tecnica – parola molto vaga – quella da me adottata è mia, tutta mia e non la presi in prestito da nessuno , puntualizza Zandomeneghi, artista ombroso ed orgoglioso, sempre pronto a sottolineare la sua indipendenza di spirito.

Per meglio indagare il rapporto artistico De Nittis - Zandomeneghi - Renoir, il percorso della mostra si snoda in argomenti pittorici che rivelano le ricche suggestioni di una stagione che cambia l’ideologia sottesa alla visione culturale del mondo, della società, del vero.

Si entra così nella prima sezione À la campagne, in cui sfilano i paesaggi della mediterraneità dei tre artisti: Primavera e Campo di bighe di De Nittis assieme alle vedute fitte di vegetazione dai colori sfavillanti di Renoir e soleggiate di Zandò.

Il paesaggio della campagna si anima successivamente di figure giovani, dalle bambine di Renoir che giocano infilando fiori nei cappelli, Le Chapeau épinglé (Cappelli estivi) (1894), alla Femme tenant un bouquet (Donna con bouquet) e ai Idylle (I fidanzati) di Zandomeneghi.

Periferie, parchi, giardini rivelano ormai una Parigi felice, fiorita e floreale, come in una perenne primavera che più che una stagione è un tempo dell’anima, condotto per mano dall’intima felicità del creare nel rappresentare anche le nature morte, come in Piatto con pesce di Zandomeneghi e Pesci (1917) di Renoir.

“Il fiore dell’epidermide, il velluto della carne” è il secondo argomento dedicato al Nudo. Torna qui De Nittis con la perlacea e tenerissima Ondina a fronte delle carni morbide e luminose di Zandomeneghi, più vicino a Degas con Le tub (La tinozza), e con Dopo il bagno a quel Renoir che Joris-Karl Huysmans definisce “il vero pittore delle giovani donne, di cui sa rendere, in quella allegria di sole, il fiore dell’epidermide, il velluto della carne”.

Esemplare la Baigneuse (Nudo reclinato) (1902). Fra tanti trionfi di momenti en plen air di cui si nutrì la pittura dagli impressionisti in poi, regalandoci la vivezza della vita vissuta in un mondo luminescente di figure dai movimenti leggeri, quasi danzanti nell’aria, i nudi di Renoir parlano di bellezze trionfanti nel turgore rosato dei seni, dei fianchi, delle gambe.

Quelli di Zandò stanno nella delicatezza delle nudità svelate nel segreto delle stanze.

E De Nittis, davanti alla modella entrata nello studio, nel 1876 scriveva nel suo Taccuino: “Senza alcuna incertezza prese la posizione eretta, come avrebbe fatto una del mestiere, poi il burnous scivolò; levò lentamente le braccia, con un gesto d’un ritmo perfetto, congiunse le mani sul capo e inarcò i fianchi: i seni si protessero sul petto ampio. Rimasi abbagliato”.

La terza sezione della mostra parla di Parigi, il giorno le notti, con opere dei tre grandi artisti. Si incontrano qui le ore del giorno riprese nei gesti spontanei di Il risveglio, Femme accoudée sur un fauteuil, Bavardage di Zandomeneghi, i denittisiani Bonne, Donna di colore, Busto di donna assieme ad incisioni dello stesso De Nittis e Renoir.

Le serate della metropoli francese trascorrono Al caffè (1884), al Moulin de La Galette, nei riti del tè e negli spettacoli della notte fra le giovanissime ballerine in tutù di Zandomeneghi.

Le donne di Renoir e di Zandomeneghi e De Nittis si mostrano nella loro individualità di modelle e compagne (splendido il ritratto a pastello di Mathilde, una delle modelle preferite di Zandò) e nella loro tipologia umana e sociale (sempre di Zandò, La marchande de fleurs / La fioraia di Montmartre).

Per essi il corpo femminile resta sempre al centro della visione della vita, sinonimo di fascino, di felicità, di suggestive promesse. Colto nella bellezza dell’abbigliamento come nella sua naturalità, nella domesticità o in sofisticate eleganze, esso rappresenta la quintessenza della pittura, paradigma cui i capolavori della mostra resteranno legati fino alle loro ultime opere.

PRENOTAZIONI E INFORMAZIONI:

Infoline 199 151 123* fax 800 559 122

e-mail infoline@sistemamuseo.it* Costo della chiamata da telefono fisso di Telecom Italia, 10 centesimi al minuto IVA inclusa senza scatto alla risposta, tutti i giorni, 24/24 h. Per chiamate originate da rete di altro operatore, i prezzi sono indicati dal servizio clienti dell'operatore utilizzato.

Prevendita e informazioni: www.vivaticket.it e 899 666 805 (servizio a pagamento)

BIGLIETTI

Pinacoteca

Intero € 4,00Ridotto € 2,00Scuole € 1,00

Mostra

Intero € 7,00Ridotto € 5,50Scuole € 2,50

Biglietto unico (pinacoteca+mostra)

Intero € 8,50Ridotto € 7,00Scuole € 3,00

Ed ora tocca a me: Ci sono andato con la peste ;) Mostra non molto grande, però molto molto bella,principalmente vi sono opere di Zandomeneghi e De nittis ma ovviamente stupende quelel di Renoir!!!

Alla prossima... ;)

Corto Circuito 1 e 2

2007-01-28T14:44:00.000+01:00

Titolo originale: Short Circuit
Regia: John Badham

Cast: Ally Sheedy, Steve Guttenberg, Fisher Stevens, Austin Pendleton, G.W. Bailey
Genere:Commedia/Fantastico
Durata: 98'
Anno: 1986
Nazione: Usa
Produzione: Gregg Champion, David Foster, Lawrence Turman
Distribuzione:Twentieth Century Fox Home

Trama:Liberato da un fulmine che colpisce il laboratorio dove é stato creato, un robot vola via in cerca della libertà. Farà amicizia con una ragazza ecologista e grazie anche all'aiuto del suo creatore sfuggirà alla cattura della polizia.

Regia:Kenneth Johnson

Cast:Fisher Stevens, Michael McKean, Jack Western

Genere: Commedia

Durata: 110 minuti

Anno: 1988

Produzione USA

Trama: Capitolo secondo (molto meno felice del precedente) delle avventure di Johnny Five, il super robot dalla memoria e dall'intelligenza galattiche. Ha trovato pare il giusto impiego in un laboratorio che costruisce giocattoli ad alto livello tecnologico. Ma un losco individuo cerca di rapire Johnny Five per usarlo per i suoi scopi.

Ed ora tocca a me:Come non potevo annoverare nella mia conoscenza cinefila (dopo i Goonies) queste 2 uscite cinematografiche degli eigthies che m'hanno accompagnato nell'infanzia.

Alla prossima ;)

Jakob il bugiardo

2007-01-27T13:55:00.000+01:00

Regia:Peter Kassovitz
Cast:Robin Williams, Alan Arkin, Bob Balaban, Hannah Taylor-Gordon
Genere: Commedia
Durata:105 minuti
Produzione: USA
Anno:1999

Trama: Seconda guerra mondiale: nella Polonia occupata dai tedeschi, Jakob, ex proprietario di un caffè, tiene sollevati gli animi della comunità ebraica mandando in onda per radio dei falsi bollettini di guerra che narrano di vittorie degli alleati contro i nazisti...

Lietta Tornabuoni (La Stampa)
Dal romanzo di Yarek Becker sul tempo dell'Olocausto, un altro eroe che, come il protagonista de La vita è bella di Benigni, mente per sopravvivere. Nel ghetto di una piccola città polacca, l'ingenuo proprietario di caffé Jakob si fa comunicatore di notizie militari incoraggianti sulla seconda guerra mondiale, per confortare e lasciar sperare i suoi compagni di sventura. Non manca quell'umorismo (ebraico, in questo caso) che sembra ormai divenuto indispensabile in ogni film sull'atroce eliminazione degli ebrei da parte dei nazisti. Il protagonista Williams è spesso melenso, come gli capita quando si propone di essere serio.

Ed ora tocca a me: Film stupendo, m'è piaciuto tantissimo!!! Grande Robin Williams!!!

Alla prossima ;)

San Nicola - Splendori d'arte d'Oriente e d'Occidente -

2007-01-20T12:10:00.000+01:00

Castello Svevo dal 7 dicembre 2006 al 6 maggio 2007

orari: tutti i giorni 9.30 - 19.30

biglietti (mostra + castello): intero euro 9,00; ridotto euro 7,50

Le suggestioni dell'Asia Minore e le sontuosità bizantine. La Turchia musulmana e l'Italia cattolica. La Russia ortodossa e l'Olanda protestante, il fiabesco Levante e la futuristica Manhattan, in un vortice di racconti, immagini e miracoli. Viaggio attraverso infiniti luoghi e migliaia d'anni: quindici secoli, tre continenti, manciate di culture. E arte, sublime e universale, misteriosa e ieratica. Per tratteggiare l'enigmatica figura di San Nicola, popolare nella Chiesa greca ed in quella latina, capace di suscitare devozione e consensi presso popoli lontani e diversi. Vescovo di Myra, in Asia Minore, nella prima metà del IV secolo, la sua attività pastorale si distinse per generosità, equilibrio e determinazione. Poche le notizie sulla sua vita, ben presto avvolta in un'aura di leggenda e arricchita di particolari suggestivi e miracolosi: gli agiografi lo confusero addirittura con un altro santo, Nicola il Sionita - vissuto nel VI secolo, nella stessa zona dell'Asia Minore - e contaminarono le rispettive biografie. Le sue reliquie, trafugate da alcuni mercanti nel 1087, furono trasportate a Bari, di cui divenne patrono e dove gli fu eretta una famosa basilica. Un importante culto, destinato ad una rapida espansione nell'area mediterranea, si sviluppò attorno al suo sepolcro, da cui si sprigionava un prodigioso liquido noto come "santo myron". Una mostra pugliese celebra oggi quest'affascinante personaggio, ripercorrendo le principali tappe della lunga ed avvincente vicenda che, attraverso i secoli, ne ha fatto un santo universale e transconfessionale, venerato in contesti geografico-culturali anche assai diversi tra loro. Promossa dall'Assessorato alle Culture del Comune di Bari, dall'Assessorato al Mediterraneo della Regione Puglia e dalla Direzione Regionale per i Beni Culturali e Paesaggistici della Puglia, l'esposizione è ospitata presso le splendide sale del Castello Svevo di Bari e presenta numerosi capolavori d'importanti artisti - tra gli altri, Beato Angelico, Paolo Veneziano, Lorenzo Monaco, Lorenzo Lotto, Alvise e Bartolomeo Vivarini, Jan Steen, Andy Warhol - che hanno rappresentato storie e miracoli legati alla figura di San Nicola, ponendo l'accento sulla diffusione a vasto raggio della sua immagine e sulle sue differenti interpretazioni. Curato da Michele Bacci in collaborazione con Fabio Marcelli, l'allestimento si segnala anche per la presenza d'otto antichi dipinti su tavola - provenienti dal Monastero di Santa Caterina al Monte Sinai -, vere e proprie rarità che costituiscono le più antiche icone conosciute in onore del Santo, nonché le sue più antiche rappresentazioni pittoriche. Oltre a ciò, è possibile ammirare numerose opere della storia artistica europea e mediterranea, tra cui una serie d'avori ed oggetti in oreficeria bizantini dei secoli X e XI, eccezionali sculture d'età romanica (come il capitello istoriato del Museo Nazionale della Catalogna) e pregevoli manoscritti miniati di origine austriaca e fiamminga.

Domanda del secolo: "Riuscirò ad andarci?" :)

Alla prossima... ;)

Non ho sonno

2007-01-18T14:43:00.000+01:00

Regia:Dario Argento

Cast: Rossella Falk, Stefano Dionisi, Chiara Caselli, Gabriele Lavia, Max von Sydow, Paolo Maria Scalondro, Roberto Zibetti, Elisabetta Rocchetti, Massimo Sarchielli, Renato Liprandi, Roberto Accornero, Alessandra Comerio, Barbara Mautino, Luca Fagioli, Barbara Lerici

Genere Giallo

Durata:118 minuti

Produzione: Italia

Anno:2000

Trama: La luce si spegne, parte la musica ossessiva, nell'ombra si materializza una sagoma, c'è una scala, c'è una porta, e schizza il sangue. È il rituale, eterno, di Dario Argento, rituale furbo e funzionale che qui si ripete una quindicina di volte. Si parte da tre amici adolescenti, siamo a Torino nel 1983. I ragazzi sono appassionati di filastrocche sugli animali. È lo spunto per il primo omicidio (della madre di uno dei tre) e di tutti gli altri che avvengono nel 2000. Il sospettato era un nano. Ogni vittima muore (sempre in modo agghiacciante) nel segno di un animaletto ritagliato nella carta: accanto alla testa, recisa, di una ballerina vestita da cigno l'assassino lascia un cigno, eccetera. Catarsi finale. Storia complicatissima col rito della morte troppo frequente. Certo, funziona, ma un po' a buon mercato.

Lietta Tornabuoni (La Stampa)
Donne straziate a morte: con la gola sfondata da un corno inglese, con la faccia sfracellata picchiandola contro un muro, con la testa mozzata, affogate nella vasca d'un lavatoio. Sangue, dappertutto. Un nano scrittore di romanzi gialli. Uccisioni 1983, troppo simili ad altre uccisioni 2000. Un omicidio con una penna stilografica, infitta nella tempia. Le unghie lunghe laccate di scuro della mano d'una ragazza ammazzata, strappate via con violenza sino a far sanguinare i polpastrelli, così da non poter conservare alcun lembo di pelle per l'identificazione del Dna. Un bambino cattivo. Il dolore delle case disabitate. Una bara vuota. Dalla strada, la polizia spara contro un ragazzo che dà le spalle alla finestra del primo piano, e gli spappola il capo. Nel nuovo film di Dario Argento, il cui titolo Nonhosonno dev'essere scritto tutto attaccato come in un indirizzo elettronico, ci sono brani bellissimi: un treno vuoto che corre nella notte, mentre dall'esterno s'intravede una figura femminile in fuga; il modo incespicante, sconnesso delle ragazze che camminano, quasi si precipitano impaurite nell'oscurità; una casa torinese come un parallelepipedo ocra del mistero, e le strade spopolate, le villette in abbandono, i quartieri soli della città più razionale e più irrazionale d'Italia (il film è stato girato a Torino). Poi ci sono tutti gli espedienti dello spavento tipici del regista e dell'horror: le lame lucenti di armi da taglio, inquadrature in cui le immagini si sovrappongono e s'intersecano, voci dal buio che invocano il nome della vittima destinata, canzoncine, enigmatico soffiare, rumori agghiaccianti, promesse (“Troverò chi ha ucciso tua madre, dovessi metterci tutta la vita”). C’è un finale insensato, un colpevole impossibile: pazienza. Ci sono stimati attori teatrali: Rossella Falk, Gabriele Lavia. Ci sono scene (l'omicidio di una prostituta, Lavia che si finge colpevole) quasi identiche a scene di Tenebre (1983) o di Profondo rosso (1975): il regista non lascia l'horror per andare verso il giallo, semplicemente torna a se stesso. Questo dà a Nonhosonno un'aria già vista, antiquata; la musica enfatica e primaria dei Goblin contribuisce a un'impressione di obsolescenza. A Torino, dove nel 1983 erano stati commessi una serie di atroci delitti di cui non s'era trovato il colpevole, gli ammazzamenti ricominciano. Indaga Paolo Maria Scalondro, poliziotto aggiornato, elettronico. Indaga pure Max von Sydow, poliziotto in pensione che ha perduto la memoria e il sonno, che lavora per riflessione (quando non dorme, pensa) e per intuito, che si fa aiutare da Stefano Dionisi, figlio d'una vittima del 1983: insieme scoprono una filastrocca infantile che l'assassino mette in pratica con esattezza paranoide... Tra gli attori, sono stati molto ben scelti Roberto Zibetti, visto in Io ballo da sola di Bernardo Bertolucci, e Paolo Maria Scalondro, visto di recente alla tv in Distretto di polizia: le facce di tutt'e due hanno una eloquenza, un carattere che basta a svelare i rispettivi personaggi.

Ed ora tocca a me: Sinceramente l'avevo già visto, avevo tralsciato alcuni dettagli, quando l'ho rivisto m'è piaciuto ancor di più.Molto bello!

Alla prossima... ;)

Il Sole nelle mani

2007-01-16T00:00:00.000+01:00

Inaugurata a Bari la mostra «Il sole nelle mani»

In mostra 250 scatti di un viaggio attraverso il territorio barese

20/12/2006 – Si è inaugurata venerdì 15 dicembre a Bari, alla presenza del Vice Presidente del Consiglio dei Ministri Massimo D’Alema, la mostra “Il Sole nelle Mani” – Bariphotocamera – Uno scatto per l’economia.Promossa ed organizzata dalla Camera di Commercio Industria Artigianato e Agricoltura di Bari, in partnership e con il patrocinio dell’assessorato al Mediterraneo della Regione Puglia, e con la sponsorizzazione ufficiale di Fidanzia Sistemi, la mostra, ideata da Chicca Maralfa e curata da Cosmo Laera, nasce da una sfida ambiziosa lanciata dal mondo delle imprese a quello della fotografia d’autore: cercare un punto di incontro, visibile, fra economia e cultura.“La mostra Il sole nelle mani – dice Luigi Farace, presidente della Camera di Commercio di Bari - è per noi un riconoscimento a Bari, alla sua provincia, alle imprese ed al territorio. E’ un modo efficace e concreto per dare visibilità a uomini, aziende e luoghi, per premiare la loro tenacia e riconoscerne i talenti, in un rinnovato rapporto fra economica, cultura e creatività” 150 fotografi italiani e stranieri hanno aderito al progetto Bariphotocamera della Camera di Commercio di Bari, proponendo affascinanti percorsi per immagini che narrano imprese, luoghi, zone industriali, centri di eccellenza, porti, strade, aeroporti, nel territorio di Bari e della sua provincia, in un’ottica innovativa e personale.Francesco Cito e Mario Cresci, rispettivamente con i lavori fotografici “Barche, pescatori e pesci” e “Il sole nelle mani” , sono i vincitori ex aequo del premio internazionale di fotografia “Bariphotocamera”.In esposizione 250 scatti selezionati tra i lavori più significativi, in un viaggio attraverso il territorio barese raccontato e rivisitato dalla sensibilità artistica degli autori. Lavori inediti, realizzati ad hoc da Mario Cresci, Francesco Cito, Cristina Bari, Carmelo Bongiorno, Enrico Bossan, Donato Del Giudice, Davide Monteleone, Gianni Cataldi, Stefano Di Marco, Francesco Giusti, Claudio Gobbi, Ramak Fazel, Massimo Siragusa, Claudio Sabatino e Simona Ongarelli e tanti altri.Il percorso espositivo si snoda tra le mille realtà produttive di una terra che ha il Sole nelle mani “perché - scrive Mario Cresci - in questa idea simbolica di luce in cui la fotografia vive si collocano sia le immagini di un passato rurale, ineludibile, sia la ricerca attuale: perché il sole vita dell’antica cultura delle mani ha la stessa valenza della luce della mente che illumina i saperi e la speranza del futuro”. Con il suo obbiettivo Mario Cresci ci porta alla scoperta dell’Istituto Agronomico Mediterraneo, centro di ricerca e di formazione internazionale per l’agricoltura, fiore all’occhiello del territorio barese, ma anche luogo di incontro fra popoli, dove si confrontano saperi, tecniche e soprattutto diverse culture. Un mondo di convivenza e tolleranza che vuole essere assurto a modello di vita.Francesco Cito affronta invece uno dei mestieri più antichi delle città costiere: la pesca. Un reportage vero e proprio il suo, un viaggio nella tradizione custodita dal pescatore Mimmo con le rughe di fatica sul volto, ma anche uno sguardo sulla modernità degli allevamenti ittici, il nuovo “fronte” del mare. “In un mondo in trasformazione solo la fede resta immutata”, scrive Cito, che ha fotografato il rituale dei una processione a mare, con la Madonna a poppa sui pescherecci. Tante altre le realtà affrontate in mostra, come il viaggio nel comparto caseario, proposto da Carmelo Bongiorno, che ci racconta il latte nelle sue tante forme, luce e materia, campagna e acciaio, dalla terra all’industria, padri e figli legati da un filo bianco che si trasforma, lì dove le mani non avranno mai paura di essere sostituite dalle macchine. Terra e mare, solidità e fluidità, tradizione e innovazione, identità e trasformazione: un inesorabile divenire che, complice la fotografia, viene raccontato in questa mostra. Ciò che è sotto gli occhi di tutti viene nobilitato dallo sguardo autoriale di questi grandi fotografi, che riportano luoghi, contesti, situazioni e persone con una carica espressiva tale da costringere lo spettatore a riconsiderarne la valenza estetica e sociale. Dopo l’esordio barese la mostra farà tappa nelle gallerie Fnac in Italia e all’estero.Il catalogo, curato da Cosmo Laera e Chicca Maralfa e con testi di Gabriel Bauret, Giovanna Calvenzi, Oscar Iarussi e Antonella Pierno, è edito da Federico Motta Editore. Hanno collaborato al progetto Bariphotocamera: Comune di Bari (assessorati alle Culture ed alle Attività Economiche); Provincia di Bari (Assessorato alle Attività Produttive; Regione Puglia (assessorato allo Sviluppo Economico); Club delle Imprese per la Cultura di Confindustria, Bari.Sono partner culturali dell’iniziativa: Le Gallerie Fotografiche Fnac; Accademia delle Belle Arti di Brera – Dip. Di progettazione e Arti Applicate – Scuola di Fotografia; Pinacoteca provinciale “Corrado Giaquinto” Bari; Dipartimento di Architettura ed Urbanistica del Politecnico di Bari – Museo Universitario di Fotografia.

Ed ora tocca a me: A parte qualche foto, nel complesso davvero una bella mostra soprattutto molto bravo Mario Cresci!!!

U-571

2007-01-15T09:32:00.000+01:00

Titolo originale: U - 571
Nazione: Usa
Anno: 2000
Genere:Azione/Thriller
Durata: 115'
Regia: Jonathan Mostow
Sito ufficiale:www.u-571.com
Sito italiano: www.uip.it/minifilm/u571
Cast: Matthew McConaughey, Bill Paxton, Harvey Keitel, Jon Bon Jovi.
Distribuzione:Uip
Uscita prevista: 06 Ottobre 2000 (cinema)

Trama: Durante la seconda guerra mondiale l'equipaggio di un sommergibile americano ha avuto ordine di impossessarsi dei codici di comunicazione militare dei tedeschi all'interno del sommergibile U - 571. Impresa difficile e rischiosa. Tratto da una storia vera.

Lietta Tornabuoni (La Stampa)
L'ambizione sarebbe quella di rifare un film di guerra semplice ed emozionante, alla maniera degli Anni Quaranta e Cinquanta: ma gli stereotipi bellici dei conflitti subacquei di cinquant'anni o quarant'anni fa risultano oggi più stonati che eroici. La maggior parte delle scene con il sottomarino americano U-571, nel film prodotto da Dino De Laurentiis, sono state realizzate a Cinecittà. Nella Storia, l'audace missione nel corso della battaglia dell'Atlantico durante la seconda guerra mondiale, nell'aprile del 1942, venne portata a termine da un sommergibile inglese: quindi, grandi proteste degli storici e naturalmente degli inglesi.

Ed ora tocca a me: 'Na figata :D

Alla prossima... ;)

Trappola nel tunnel

2007-01-15T09:12:00.000+01:00

Titolo originale: Daylight

Regia:Rob Cohen

Cast:Sylvester Stallone, Amy Brebbeman, Stan Show, Sage Stallone, Viggo Mortensen, Claire Bloom

Genere:Avventura

Durata:115 minuti

Produzione: USA

Anno:1996

Trama: Un incidente blocca il tunnel che unisce l'isola di Manhattan a New York. C'è un'esplosione, migliaia di persone sono bloccate. Il mare potrebbe irrompere ed essere strage. Ma Stallone prende in mano la situazione e risolve tutto alla sua maniera. Grandi effetti, i soliti paradossi. C'è chi li ama.

Tullio Kezich (Il Corriere della Sera)
Ci sono film (ma anche libri, articoli, trasmissioni televisive) che sembrano fotocopie; e talvolta, addirittura, la fotocopia di una foto-copia. Sicché se ricordate L’avventura del Poseidon (1972) è come aver già visto anche questo recentissimo Daylight - Trappola nel tunnel, appena uscito negli Usa, che è basato sullo stesso spunto: un gruppo di personaggi incappati in un disastro cercano una via d’uscita dalla trappola in cui sono finiti. Tranne che il «Poseidon» era una nave rovesciata da un’onda gigante e per i naufraghi si trattava di trovare il modo di risalire dal ponte alla stiva, con tutte le costruzioni scenografiche disegnate e realizzate a testa in giù. Gli sfortunati personaggi di Daylight sono invece rimasti bioccati da un’esplosione nell’Holland Tunnel, la galleria che unisce l’isola di Manhattan al NewJersey, e non sanno come venirne fuori.Un difetto del film è certamente di non farci capire dove si trovano con esattezza i poveretti e attraverso quale percorso dovrebbero pervenire a riveder l~ stelle. Un secondo difetto è lo scarso interesse degli interpreti riuniti intorno a Sylvester Stallone, mentre nell’agguerrito cast del Poseidon figuravano fra gli altri i rampanti Gene Hackman ed Ernest Borgnine, oltre alla pluripremiata Sheiley Winters in una memorabile nuotata subacquea che valeva l’intero film.Non ci commuove granché la vicenda personale di Stallone, che rimosso per un doloroso equivoco dalla carica di capo dei servizi di soccorso si è ridotto a fare il taxista; e in tale veste, comunque, allo scoppio dell’incidente nel tunnel si precipita a dare una mano pur avversato e poco gradito dall’ufficialità. Quando è riuscito a calarsi nel cuore del disastro, sfidando le eliche vorticose dei canali di aerazione, Sly scopre che lo sventato Viggo Mortensen è già rimasto vittima del proprio spericolato esibizionismo; e che lui può contare sulla buona volontà del poliziotto nero Stan Shaw e della scrittrice in crisi Amy Brenneman con la quale si prevede abbraccio finale. Neppure a quel punto, però, l’ingrugnato eroe si deciderà a cambiare espressione. Anche il resto non sorprende, inclusa la morte della meschina Claire Bloom (come finisce il mito di Luci della ribalta!), perché siamo di fronte a uno di quei film sempliciotti dove i personaggi hanno scritto in faccia il proprio destino. Prevediamo perfino che alla fine si salverà il cane per un po’ creduto morto.Se il genere è di vostro gusto, comunque, questa laboriosa fatica di Rob Cohen vi scionina una serie ininterrotta di esplosioni, boati, croffi, allagamenti e via catastrofando. Il tutto fabbricato con allucinante realismo, lo possiamo dire con una punta di orgoglio nazionale, negli studi di Cinecittà, dove approfittando di un’eccellente professionalità e di favorevoli condizioni economiche la produzione americana ha provveduto a far costruire il tunnel maledetto.

Ed ora tocca a me: Ovviamente piaciuto :D

Alla prossima... ;)

Mars attacks

2007-01-07T14:43:00.000+01:00

Regia: Tim Burton

Cast: Rod Steiger, Annette Bening, Glenn Close, Jack Nicholson, Sarah Jessica Parker, Michael J. Fox, Pierce Brosnan, Martin Short, Danny DeVito, Tom Jones, Lukas Haas, Jack Black

Genere: Commedia

Durata: 110 minuti

Produzione: USA

Anno: 1996

Trama: Una flotta di dischi volanti raggiunge gli Stati Uniti. Il Presidente organizza un comitato di accoglienza mentre c'è già chi pensa di fare affari con loro. Il primo impatto è devastante: basta il volo di una colomba, simbolo di pace, per scatenare un massacro ad opera dei marziani. Dopo le scuse di rito, c'è l'invito al Congresso dove gli alieni si preoccupano di eliminare gran parte dei rappresentanti. Ormai lo scontro è aperto. Anche il Presidente viene ucciso ma gli States verranno salvati da un ragazzino e dai dischi ascoltati da sua nonna. Tim Burton mette in piedi un Luna Park sugli "alieni al cinema" prendendo spunto da una raccolta di figurine degli anni Cinquanta messe al bando all'epoca perché troppo "violente". Marziani e terrestri sono grotteschi ma gli abitanti del nostro pianeta sono anche squallidi. Il Presidente degli Stati Uniti, affidato a un Nicholson in gran vena, diventa emblema di una "civiltà" così mistificante da non avere più neanche il coraggio della brutalità.

Lietta Tornabuoni (La Stampa)

Archeologo sentimentale della sua infanzia e della puerilità del cinema, innamorato del passato e amante dello scherzo, Tim Burton trentasettenne fa con Mars Attacks! la parodia d'ogni parodia e la satira della società americana fine secolo, un'evocazione tenera della prima ingenua fantascienza spettacolare, un cinema cannibale nutrito di cinema, un film molto divertente, intelligente: e conferma la propria immaturità perenne, quell'insopprimibile legame nostalgico col se stesso ragazzino o adolescente, quel tenace rifiuto dell'età adulta che in qualche misura lo avvicina a Steven Spielberg o a Nanni Moretti. Marte va all'attacco dell'America, e l'America non è preparata. Il presidente degli Stati Uniti (Jack Nicholson, straordinario) ha una miope fiducia nella buona disposizione marziana e nella propria seducente parlantina da politico, si lascia trasportare dagli slogan (“È l'evento più importante da quando Gesù apparve in Galilea”), pensa vanesio soprattutto alla propria immagine (“Parlerò su tutte le reti, metterò il completo di Cerruti”). I capi militari americani possono essere bianchi guerrafondai (Rod Steiger) o neri pacifisti, risultano comunque incapaci, inetti. Lo scienziato di Stato Pierce Brosnan giocherella affabilmente con la sua pipa senza capire assolutamente nulla. I telegiornalisti sono tanto concentrati su se stessi (“Come stanno i miei capelli, stanno bene?”) da non riuscire a vedere quanto accade (e Sarah Jessica Parker finirà con la testa ben pettinata innestata sul corpo d'un cagnolino). Tutti sono ottimisti, curiosi ed euforici come davanti a un nuovo spettacolo, neppure capaci d'immaginare un pericolo della realtà. I marziani arrivano, e sono marziani: brutti mostriciattoli verdi alti un metro, dall'enorme cervello, scheletrici e macrocefali, con grandi occhi a palla. “Veniamo in pace” proclamano bugiardi: e cominciano a devastare tutto e tutti, ammazzano coi loro raggi verdi anche l'intero gruppo dei politici del Congresso, distruggono la Casa Bianca, i Casinò di Las Vegas, il Campidoglio a Washington, la Torre Eiffel a Parigi, il Big Ben a Londra, incendiano edifici, fanno crollare città. Sono invincibili perché nessuno arriva a capirli; sono imprevedibili come adolescenti malvagi e irrequieti dediti ad atti gratuiti; sono incomprensibili come una banda eccitata di bambini anarcoidi. Infatti soltanto due bambini neri esperti videogiochisti sanno colpirli, soltanto un ragazzo insieme con la nonna riuscirà a sconfiggerli, diffondendo altissima una musica melodica che i marziani non sopportano: quelle note vanno loro alla testa, struggono i grandi cervelli, li uccidono. A salvare l'America e il mondo sono dunque un adolescente e una vecchia, cittadini improduttivi e quindi socialmente considerati dei marziani, degli alieni. Lo stile di Mars Attacks! si rifà ai vecchi film di fantascienza (Ultimatum alla Terra, Il pianeta proibito) con cui Tim Burton produttore e regista è cresciuto, a certe figurine vistose, colorate e rozze usate per la pubblicità della gomma da masticare Topps che Burton collezionava nel 1962. L'ambientazione non contemporanea e neppure d'epoca inventa un inedito retro atemporale. Gli effetti speciali costosi e sapientissimi vogliono apparire artigianali, poveri (si rivede Godzilla, un gigantesco robot ferrigno insegue le auto). La guerra Marte-Terra risulta mistificata quanto la guerra del Golfo. Bello, spiritoso, divertente. Magari con qualche momento sfiduciato a metà del film, come se il regista avesse perduto entusiasmo ed energia, però con interpreti magnifici: Jack Nicholson irriconoscibile recita anche la parte d'un boss di Las Vegas, marito di una Annette Bening New Age seguace delle filosofie orientali e dell'armonia universale; Lisa Marie, compagna del regista, interpreta con una sterminata parrucca bionda l'unica Ragazza di Marte dall'aspetto più o meno terrestre.

Tullio Kezich (Il Corriere della Sera)
«Ak! Ak! Ak!». Strillando versacci incomprensibili, a bordo di una miriade di dischi volanti, in un giorno di maggio di un anno qualsiasi, gli omini verdi del pianeta Marte calano in massa sulla Terra. Fedelmente ricalcato su una serie di figurine per ragazzi edite dalla Topps nel 1962, Mars Attacks! (fuori concorso alla Berlinale) è uno scherzaccio che nella sua ammiccante e clamorosa buffoneria contiene un discorso serio. Su una sceneggiatura dell’inglese Jonathan Gems, il geniale regista Tim Burton mette in scena una ventina di personaggi sparsi qua e là per gli Stati Uniti; e la caratteristica che li accomuna, dal presidente Jack Nicholson all’imprenditore imbroglione di Las Vegas (ancora Nicholson), da Glenn Close in figura di First Lady al ringhioso Rod Steiger generale superfalco, dallo scienziato credulone Pierce Brosnan alla sciocchissima giornalista televisiva Sarah Jessica Parker e via elencando, è quella di volere tutti continuare il proprio gioco meschino: come Danny De Vito, che, marziani o no, pensa a buttare i dadi al casinò e basta.Se Il dottor Stranamore di Kubrick, un film ai quale Mars Attacks! sotto taluni aspetti si richiama, era un libello mirato contro i militari e gli scienziati asserviti ai loro diabolici disegni, qui non troviamo messaggi a senso unico. Sulla Terra non ci sono veri cattivi, solo imbecilli. E proprio a una flaubertiana contemplazione della stupidità si abbandona Burton, constatando l’incapacità di prendere misure adeguate nei riguardi degli invasori, che ben presto si rivelano cattivissimi: mitragliano i Congresso; fanno saltare la Tour Eiffel, il Big Ben e il Taj Mahal; e infine portano l’assalto fin dentro la Casa Bianca. Al meglio delle sue capacità ironiche, Nicholson disegna una memorabile satira del politico senza qualità, roba da far fischiare le orecchie anche a qualche omologo nostrano, nella scena in cui rivolge agli ospiti indesiderati un untuoso discorso demagogico ricevendone in cambio una meritatissima pugnalata.Non altrettanto centrato è il secondo personaggio schizzato dal grande attore, che non giustifica l’espediente del doppione. Come del resto altre partecipazioni al film risultano pleonastiche e scolorite, inclusa quella di De Vito; mentre il ritmo qua e là perde colpi. Ma nel suo procedere baldanzoso Mars Attacks! si riprende da ogni scivolone in una chiave bizzarra e svariante che assicura alla veterana Sylvia Sydney il ruolo di ignara e arteriosclerotica salvatrice della Terra solo perché ama le vecchie canzoni come Indian Love Call. Per affermare, fra una risata e l’altra, fra un brivido di paura e l’altro, che l’umanità potrà salvarsi soltanto privilegiando l’ingenuità disinteressata sulla miope furberia.

Ed ora tocca a me: Ovviamente film stupendo, come stupendamente il regista (uno qualunque :D ) utilizza personaggi tratti dal passato per fare un film d'ambientazione futura. Molto bello :)

Alla prossima... ;)

Bari - Rimini 2-2 (Grande festa Ultras)

2006-12-19T23:00:00.000+01:00

A Bari è sempre festa!

Dopo i ricchi premi e cotillon nel derby di Lecce, i biancorossi regalano cioccolatini per un'ora (dominio assoluto e prelibatezze di Scaglia e Santoruvo), mandando in estasi gli Ultras nella settimana del loro trentesimo anniversario (il club fu fondato nel 1976). Poi, sazi e ubriacati perché spumeggianti, s'incartano, invitando al banchetto anche il Rimini. I romagnoli ringraziano (reti di Cascione e Moscardelli nel quarto d'ora finale) e vanno via con un punto gentilmente donato. Per i baresi, dunque, anziché la strenna, arriva una magra soddisfazione: l'aver giocato la miglior partita della stagione (finale a parte). Nello scrigno della serie B, peseranno i punti che sembravano ormai acquisiti: sono quattro le lunghezze dalla zona playoff (e non due) alla vigilia della gara pre-natalizia di Marassi contro il Genoa, in programma venerdì alle ore 20,30. Dolce inizio: segna Scaglia L'inizio è dolcissimo. Al 6' Santoruvo si esibisce in un dribbling da far strabuzzare gli occhi. Il movimento del bitontino (sordo alle critiche, sta inanellando un pezzo di bravura dietro l'altro) lascia di stucco Milone. Il diagonale, da posizione defilata, è intercettato dal portiere Handanovic, ma la ribattuta finisce sui piedi dell'accorrente Scaglia. Facile il tocco che vale l'1-0. Per niente pago, al 9' Ganci se ne va sulla destra e mette in mezzo. La difesa romagnola è nuovamente in affanno. Baccin interviene e manda la palla sul palo sfiorando l'autogol. L'avvio è talmente fragoroso da non esserci stato il tempo di riflettere sulle scelte di Maran, che per l'occasione, complici le assenze di Bellavista e Micolucci per squalifica, cambia la formazione rispetto all'ultima uscita.Maran sorprende: c'è BelmonteLe variazioni, però, non riguardano soltanto Mora (esterno sinistro di difesa) e Gazzi (vertice basso del triangolo di centrocampo). Accanto a Fusani, c'è Rajcic, visto che Carrus non recupera (non è nemmeno in panchina, dove compare Bovo), mentre a destra della retroguardia torna Belmonte, al quale il tecnico dà un'altra possibilità dopo l'errore commesso contro il Brescia (si lasciò sfuggire Possanzini in occasione del gol del pareggio lombardo). Manca anche Tabbiani: sulla destra agisce Ganci, che insieme con Scaglia, sarà una delle spine nei fianchi del Rimini. La disposizione non fa respirare gli ospiti. Il Bari è una roccia pressoché impenetrabile, anche perché sostenuto da una condizione atletica invidiabile.Santoruvo, seconda candelina Il Rimini è tramortito. Al 24' Handanovic sbaglia l'uscita, la palla sta per carambolare in rete, ma c'è un intervento risolutore prima che sia troppo tardi. È l'avvisaglia del raddoppio, che giunge, come spesso capita (l'ultima volta contro lo Spezia), su calcio da fermo. Scaglia batte da sinistra al 25'. Stavolta è Rajcic ad infilarsi tra i marcatori. Il colpo di testa è parato dal portiere, ma la traiettoria della respinta è nel raggio di azione di Santoruvo. L'attaccante si avventa come un falco e piazza la seconda candelina (quinta stagionale per lui). Impressionante la percentuale realizzativa del Bari, spietato come nel turno precedente (il raddoppio di Ganci a Lecce arrivò alla mezz'ora, stavolta è cosa fatta con cinque minuti di anticipo). Amaro pugliese per Acori Acori, l'allenatore che alla prima giornata aveva meritato i complimenti per come era riuscito a fermare la Juventus, colui che è sotto osservazione da parte dei presidenti cui piacciono i tecnici rampanti, non sa che pesci prendere. Potrebbe cambiare qualche uomo, magari per modificare il modulo (visto che il Bari è ampiamente in superiorità e padrone del campo nelle ripartenze). Invece, prima alterna la posizione di Pagano e Valiani (il primo va a sinistra, il secondo a destra nella linea a tre che assiste Jeda), poi sostituisce (41') l'ex barese e mette dentro Moscardelli come terminale (sarà decisivo), spostando il brasiliano a sinistra. In effetti, il Rimini è troppo timido, anche quando gli avversari concedono di avvicinarsi. Di concreto c'è solo una possibilità per Jeda, che se ne va a Gervasoni come fece Osvaldo. Solo che quando al 36' in area salta il portiere belga, il brasiliano pensa sia meglio buttarsi per guadagnare un rigore. L'arbitro Marelli lo ammonisce per simulazione. Pianu ha fame, ma si mangia un golIl Bari rientra dagli spogliatoi con l'intenzione di chiudere definitivamente i conti. Potrebbe riuscirci dopo quaranta secondi ancora su calcio da fermo (stavolta un corner), ma Pianu, tutto solo davanti alla porta, sbaglia la direzione del piatto destro mandando incredibilmente a lato. L'errore è di quelli che si possono pagare, ma Gillet al 52' impedisce a Moscardelli (su cross di Ricchiuti) di dimezzare lo svantaggio e riaprire la partita. La palla, schiacciata dall'attaccante con un colpo di testa da due passi, è ribattuta con i piedi. Sventata la minaccia, il Bari concede opportunità meno evidenti (al 65' Moscardelli è lontano dai pali quando prova a centrarli col destro, al 70' Ricchiuti è troppo defilato per cogliere l'angolino di testa). Poi, una decina di minuti dopo l'uscita dal campo di Ganci (entra Tabbiani al 59'), che non gradisce (i compagni lo confortano e finisce lì), il Bari cambia faccia. Il Bari ha la pancia piena: arriva la beffaQuasi convinti di essere impenetrabili, i pugliesi mollano un po' la presa. Hanno la pancia piena. Si siedono e stanno un po' troppo a guardare. Quando Acori (che aveva già inserito Tasso per Cristiano al 60') finalmente si decide a rivedere la strategia, il Rimini rinasce. Infatti, contemporaneamente all'ingresso di Esposito (fuori Belmonte), il tecnico del Rimini inserisce (69') Vitiello (un difensore) al posto di Valiani. Sembra una contraddizione, ma non la è. Baccin passa a centrocampo, il nuovo entrato (da destra) e Regonesi (da sinistra) cominciano a spingere a turno. In pratica, si passa a un 3-4-1-2 (con Ricchiuti alle spalle di Moscardelli e Jeda). La partita cambia volto. Jeda, fino a quel momento pressoché impalpabile, al 76' se ne va sulla destra e mette in mezzo, dove spunta Cascione: 1-2. Ma la differenza la fa Moscardelli. Nell'ultimo quarto d'ora, il Bari perde la bussola (le prova tutte: cambia posizioni, modulo, uomini: Bovo per Rajcic all'85'), ma ormai la rimonta del Rimini è irrefrenabile. La beffa giunge all'88'. Su cross di Regonesi dalla sinistra, Cascione favorisce il colpo di testa del 2-2 firmato da Moscardelli.

G. Flavio Campanella

BARI (4-2-3-1): Gillet, Belmonte (24' st Esposito), Pianu, Gervasoni, Mora, Gazzi, Fusani, Rajcic (40' st Bovo), Ganci (14' st Tabbiani), Scaglia, Santoruvo. (Aldegani, La Vista, Di Vicino, Vantaggiato). All. Maran.

RIMINI(4-5-1): Handanovic, Baccin, Peccarisi, Milone, Regonesi, Cascione, Tasso (15' st Cristiano), Pagano (40' Moscardelli), Ricchiuti, Valiani (24' st Vitiello), Jeda. (Pugliesi, Digao, Bravo, Bischeri). All. Acori.

Arbitro: Marelli di Como.

Reti: nel pt 5' Scaglia, 25' Santoruvo; nel st 31' Cascione, 43' Moscardelli.

Angoli: 4-2 per il Rimini. Recupero: 2' e 4'.

Ammoniti: Gervasoni per gioco falloso, Gazzi e Vitello per gioco non regolamentare, Jeda per simulazione.

Spettatori: 6.620.

Peccato per come è venuto, dato che eravamo in vantaggio 2-0, ma tutto sommato un buon pareggio.

Bella anche la zagnissima festa degli Ultras dopo, dove mi confondevo fra fumi di zampina e non :D

Alla prossima... ;)

Estasi pura!!!

2006-12-16T22:30:00.000+01:00

Lascio parlare solo le foto....

16.12.2006

GRAZIE RAGAZZI!!!

Bari-Modena 1-0

2006-12-10T12:55:00.000+01:00

Meglio tardi che mai. Dopo aver conquistato la miseria di due punti nelle ultime quattro partite, peraltro senza realizzare neppure un gol, il Bari torna alla vittoria battendo di misura il Modena allo stadio San Nicola. Non è stata una partita semplice per i biancorossi, che avevano l'obbligo di fare risultato pieno per non perdere contatto dal treno che conduce ai playoff.Maran in partenza rinuncia sorprendentemente a Gazzi, riproponendo capitan Bellavista nel suo ruolo naturale. Milani è finalmente titolare, l'ex di turno Fusani gioca dal primo minuto così come Gervasoni che torna al centro della difesa al posto dell'infortunato Esposito.Sin dalle prime battute si capisce che sarà una gara ricca di emozioni. I padroni di casa hanno il pallino del gioco, ma sono i gialloblù di Zoratto a sfiorare il vantaggio con un colpo di testa di Antonazzo sugli sviluppi di un corner: Gillet compie il primo prodigio. Il Bari spinge con convinzione sulla fascia destra, Milani è una spina nel fianco e per un paio di volte serve al centro dell'area assist deliziosi che Massimo Ganci non sfrutta, in particolare alla mezzora quando calcia incredibilmente fuori di piatto da pochi passi. L'attaccante biancorosso si fa perdonare cinque minuti più tardi, quando sempre sulla destra si procura un invitante calcio di punizione. Batte Scaglia, Santoruvo colpisce di testa, Frezzolini respinge ma sugli sviluppi dell'azione William Pianu (migliore in campo dopo Gillet) trova il varco giusto e realizza con un tocco sotto misura un gol che mancava da oltre quattrocento minuti. Il vantaggio galvanizza i galletti che prima con Fusani e poi con Milani sfiorano il raddoppio con due belle conclusioni dal limite dell'area.Nella ripresa il Modena prova il tutto per tutto e Zoratto dopo pochi minuti inserisce Sforzini per dare maggior peso al reparto offensivo. Ma la partita poteva essere già chiusa se Scaglia, due minuti prima, non avesse incredibilmente sbagliato un gol che sembrava già fatto. Al 62' Maran sceglie la fantasia di Di Vicino al posto dello stanco Ganci. Gli ospiti continuano a spingere alla ricerca del pari e al 66' reclamano un rigore (che forse c'era) per un dubbio intervento di Bellavista su Colacone, lanciato a rete. All'84', però, la massima punizione arriva davvero: Sforzini calcia a colpo sicuro, Gervasoni respinge con le mani da distanza ravvicininatissima e l'arbitro indica senza esitazioni il dischetto. Sforzini non è il rigorista designato, ma ignora gli "ordini di scuderia" e insiste per calciare il penalty: errore fatale, perchè l'attaccante emiliano si fa ipnotizzare da un super Gillet che compie un'autentica prodezza respingendo alla grande il tiro scoccato alla sua sinistra. Il San Nicola esplode di gioia per il suo portiere idolo, il Bari in contropiede ha la ghiotta opportunità per assestare il colpo del ko, ma Carrus fallisce clamorosamente da pochi passi il gol dell'ex confermando un momento di forma non proprio eccezionale. C'è ancora spazio per un brivido finale: allo scadere Gervasoni svirgola un rinvio e Gilioli sbaglia per un soffio il gol della beffa.Finisce così una partita tutto sommato piacevole, che il Bari ha vinto meritatamente. I tre punti sono ossigeno puro per gli uomini di Maran, soprattutto alla vigilia di un trittico di gare da brivido: il derby a Lecce sabato, il forte Rimini al San Nicola martedì e l'ostica trasferta a Genova prima delle festività natalizie.Il ruolo dei biancorossi in questo campionato sarà sicuramente più chiaro tra 270 minuti: l'auspicio dei tifosi è che il mercato di gennaio porti al Bari quei rinforzi che gli permetterebbero di fare il salto di qualità e lottare concretamente per obiettivi più ambiziosi della salvezza. Sperare, si sa, non costa nulla...

BARI (4-2-3-1): Gillet; Milani, Pianu, Gervasoni, Micolucci; Bellavista (43’ st Gazzi), Fusani; Ganci (17’ st Di Vicino), Carrus (43’ st Rajcic), Scaglia; Santoruvo. (Aldegani, Mora, La Vista, Vantaggiato).

All. Maran.MODENA (4-3-3): Frezzolini; Antonazzo, Frey (33’ st Perna), Ungari, Tamburini; Campedelli (36’ st Gilioli), Luisi, Tisci (7’ st Sforzini); Abate, Colacone, Bentivoglio. (Narciso, Lazzari, Baldo, Troiano). All.: Zoratto.

Arbitro: Iannone di Napoli.

Reti: nel pt 35’ Pianu.

Angoli: 9-2 per il Modena.

Recupero: 1’ e 4’. Ammoniti: Ungari e Abate per gioco falloso.

Note: Gillet ha parato un calcio di rigore a Sforzini al 39’ st.

Spettatori: 5.353 per un incasso di 30.572,00 euro.

In attesa di Lecce :) ....................................................Alla prossima... ;)

Notiziuncole eventi vari :)

2006-11-28T16:04:00.000+01:00

Soul Makossa ospita Papa Wemba

Il 2 Dicembre al Pala Martino

Ancora un evento per la settima edizione del Soul Makossa 2006 Festival Interetnico della Musica e del Teatro. Il 2 dicembre alle ore 21.00 concerto di Papa Wemba al Pala Martino. Cantante estroverso crea un nuovo aggressivo afro pop denominato “rhumba rock”. L'evento è organizzato da Abusuan, l'assessorato al Mediterraneo dlla Regione Puglia, l'assessorato alla Cultura della Provincia di Bari e l'assessorato alle Culture e Religioni e quello al Commercio del Comune di Bari.

Mostra di Natale al Mongolfiera

A Japigia dal 26 novembre 2006 al 6 gennaio 2007

Al Centro Commerciale Mongolfiera di Bari Japigia è quasi Natale! Da martedì 21 novembre al 6 gennaio nella galleria del Centro Commerciale Mongolfiera a Japigia è stata allestita una Mostra di Natale. Caratteristiche opere di artigianato, presepi e simpatici oggetti legati alla tradizione natalizia ravviveranno la galleria. Realizzata in collaborazione con artisti e associazioni culturali, la mostra permanente allieterà le passeggiate e lo shopping nel Centro. Anche questa iniziativa rientra nella vision del Centro Commerciale di Bari Japigia, un centro divenuto ormai parte integrante del quartiere. Le diverse iniziative intraprese negli anni mostrano la forte volontà di far parte della vita quotidiana dei baresi e di sviluppare un forte radicamento nel territorio circostante.

Uno sguardo in Periferia

A Triggiano la mostra di Pino Pavone dal 1 dicembre 2006 al 17 dicembre 2006

Periferie - sguardi sul nostro paesaggio. Venerdi 1 dicembre alle 19 presso il Palazzo Comunale di Triggiano (Palazzo Pontrelli) si inaugura una mostra collettiva sul tema della periferia ideata da Pino Pavone.
La mostra sarà aperta tutti i giorni fino al 17 dicembre con i seguenti orari: 10.00 - 12.30 / 18.00 - 21.00

Il Giardino Babele del Teatro Kismet

Domenica 10 dicembre h 21.00 Css Teatro Stabile d’innovazione del FVG / balletto civile "I sette a Tebe" liberamente tratto da I sette contro Tebe di Eschilo;

Progetto speciale 19 / 21 Gennaio h 21.00 Studio su Medea Venerdì 19 h 21.00 Capitolo I Medea & Giasone Sabato 20 h 21.00 Capitolo II Medea & Figli Domenica 21 h 18.00 Capitolo I, h 20.00 Capitolo II e h 22.00 Capitolo III Medea DeaAntonio Latella elaborazione drammaturgica Federico Bellini regia Antonio Latella con Nicole Kehrberger Michele Andrei, Giuseppe Lanino, Emilio Vacca musiche Franco Visioli luci Giorgio Cervesi Ripa costumi Rosa Futuro, Tobias Marx foto Anna Bertozzi movimenti coreografici e regista assistente Rosario Tedesco;

Mercoledì 28 Febbraio e 1 e 2 Marzo h 20.00 c/o la Sala prove al Fornelli Teatro Kismet Oper AA B. a Samuel Beckett primo studio Lello Tedeschi;

Venerdì 16 Marzo h 17.00 incontro c/o CUTAMC str. S. Giacomo – Borgo Antico Immaginario Pasoliniano con i Motus saranno proiettati materiali video;

Mercoledì 2, Giovedì 3 e Venerdì 4 Maggio h 20.00 c/o la Sala prove al Fornelli A B. a Samuel Beckett studio finale Lello Tedeschi ;

I Deep Purple ad Andria

Ad Andria il 13 Marzo 2007

Il 13 Marzo prossimo arrivano i "Deep Purple", una delle storiche band della musica hard rock. Un appuntamento imperdibile per gli amanti del rock più duro, con un gruppo internazionale di primissimo piano che ha segnato pagine memorabili nella storia della musica moderna. La realizzazione del concerto è curata dalla Delta Concerti: costo dei biglietti 34-50 euro.

La storia dei Griffin ^^

2006-11-25T23:08:00.000+01:00

M.a.s.h.

2006-11-23T19:45:00.000+01:00

Regia: Robert Altman

Cast: Sally Kellerman, Donald Sutherland, Elliott Gould, Robert Duvall, Tom Skerritt, Roger Bowen

Genere: Commedia

Durata: 116 minuti

Produzione: USA 1970

Trama: Il film racconta la storia di un'équipe di chirurghi in un ospedale militare che se la ridono della disciplina e non si preoccupano di andare incontro a sanzioni, dimostrando tutto il loro disprezzo per la guerra. Commedia satirica, graffiante che, andando al di là delle intenzioni stesse dello sceneggiatura, mette a nudo l'ipocrisia ufficiale durante la guerra di Corea. Dissacra tutto, anche i caduti in quella sporca guerra. Sul piano formale si tratta di uno dei grandi capolavori del cinema. Altman stupisce per la capacità di adoperare un linguaggio realistico e per l'abilità nel montare insieme realismo e satira, lasciando il pubblico incerto sulla natura di quello che sta vedendo.

Alberto Moravia

Mash di Robert Altman è un film di guerra che ha vinto il premio ai festival di Cannes probabilmente perché è un film di guerra. Allora Cannes sarebbe diventato un luogo di riunione di coloro che un tempo venivano chiamati “guerrafondai”? Tutt’altro, il film senza dubbio è stato premiato perché considerato pacifista. Vediamo adesso se questo pacifismo risponde a verità. Secondo i polemologi, la guerra sarebbe una specie di salasso che certe nazioni le quali hanno troppo di qualche cosa (troppi uomini, troppa ricchezza, troppi prodotti, troppi quadri dirigenti, troppi disoccupati, ecc. ecc.) infliggono a se stesse più o meno inconsciamente. Quanto dire che le guerre non si farebbero perché non si ha qualche cosa e si vuole derubarne il vicino; ma perché si ha troppo di qualche cosa e ci si serve del vicino per iiberarsene. Per esempio i paesi poveri hanno troppi uomini mentre i paesi ricchi hanno troppe ricchezze. Ecco una guerra già pronta. Attraverso la guerra, ricchezza e popolazione saranno “sgonfiate”. In realtà questo è avvenuto in Europa durante gli ultimi due secoli. La bomba atomica non modificherebbe questo stato di cose. Essa sarebbe semplicemente un’arma alla misura delle masse. Ma perché c’è troppo di qualche cosa? È qui che Mash, film apparentemente pacifista ma in realtà bellicoso, può dare una risposta. C’è troppo di qualche cosa allorché c’è repressione ossia deviazione di energia per fini aggressivi. In Mash si racconta la vicenda di due chirurghi buontemponi e goliardici ma bravissimi nella loro professione i quali, capitati durante la guerra di Corea in un ospedale da campo, si fanno beffa delle convenzioni che sono proprie della società militare. Il loro bersaglio preferito è un capitano grande lettore della Bibbia e nell’intimità (relativa) della propria baracca grande cacciatore di gonnelle. Il capitano salta addosso a un’infermiera e non si accorge che un microfono permette ai suoi due colleghi di registrare i gemiti, i ruggiti e le rumorose agonie dell’amore. Svergognato, il capitano dà in escandescenze e viene portato via di peso tutto legato in una camicia di forza. Abbiamo detto che la repressione è all’origine della guerra. Ora tra il capitano ipocrita che va a letto con le infermiere e i due chirurghi che lo svergognano, non c’è dubbio che i repressi sono questi ultimi. Noi sappiamo infatti che il capitano finge di essere religioso ma in realtà ama le donne; ma non sappiamo affatto cosa amano i due chirurghi, perché essi non fingono e non sono ipocriti e quello che fanno (operare i feriti di guerra) io fanno bene e sul serio. Così in mancanza di altre spiegazioni, bisogna pur credere che essi non amano le donne ma soltanto il loro mestiere cioè la guerra. Repressi ed efficienti, ce l’hanno con il capitano non già perché è ipocrita ma perché non è represso e dunque, probabilmente, non è efficiente. Del resto il film ha una sua atmosfera che puzza di caserma lontano un miglio. Non è la caserma prussiana, d’accordo; è la caserma anglosassone, kiplinghiana, hemingweiana, dove si scherza e si prende in giro la guerra ma per farla meglio. Le beffe che i due chirurghi goliardici combinano contro i loro colleghi militaristi hanno sempre per agente catalizzatore il sesso. Ma i due allegroni, loro, sono casti. Così il militarismo si manifesta per quello che è: una repressione così completa è così profonda che non resta che ridere e scherzare e fare la guerra. Come sempre avviene in film dei genere, gli attori sono bravi ma di una bravura che sfiora pericolosamente il luogo comune simpatico e pseudo-liberatorio. Donald Sutherland e Tom Skerrit, tra uno scherzo e l’altro, si immergono fino al naso nel sangue delle sale operatorie. Sembrano, con la loro allegria di buon augurio, due ostetrici che presiedono alla nascita di nuove esistenze. In realtà mettono la loro scienza al servizio di quello che qualcuno ha chiamato un infanticidio collettivo ritardato. Cioè della guerra.

Tullio Kezich
La sigla del titolo significa Mobile Army Surgical Hospital e sta a indicare un ospedale chirurgico da campo durante la guerra di Corea. Sceneggiato da Ring Lardner jr (che fu uno dei «10 di Hollywood» vittime della caccia alle streghe) e diretto da Robert Altman (un esordiente di grossa esperienza televisiva), M.A.S.H. si colloca fra il dottor Stranamore e il gusto di Luis Buñuel. Almeno per la prima mezz’ora il film ci fa assistere, con incredibile spregiudicatezza, a situazioni farsesche trasferite nell’ambiente dei chirurghi in uniforme: non c’è tabù militarista che Altman non sembri disposto a irridere senza mezzi termini, con un umorismo nero che fa venire i brividi per la sua stretta connessione con la realtà. Non dimentichiamo che gli Stati Uniti sono tuttora impegnati in una guerra asiatica e che la distanza del film dai fatti che narra è solo apparente. Purtroppo la grinta degli autori si spiana strada facendo, la fantasia ripiega sui modi ben noti del cinema comico e l'aggressività si brucia nel disordine di una struttura bozzettistica. La parodia dell’Ultima cena, desunta da Viridiana, è fuori luogo; le avventure boccaccesche dei due protagonisti ricordano le bonarie vignette di Bili Mauldin sulla seconda guerra mondiale. Sicché sorge legittimo il sospetto che M.A.S.H. sia soltanto una versione aggiornata e incattivita delle vecchie farse militari: tanto che ha potuto ottenere senza complicazioni diplomatiche il gran premio al festival di Cannes.

Ed ora tocca a me: Sinceramente m'è capitato di "conoscerlo" alla sua morte, nel senso che ieri per la prima volta ho visto un suo film, che penso abbiano mandato in onda su Rete4 in suo onore. Abbastanza bello il film, belle le crude scene e bello il modo di girare. Un bel film.

Alla prossima... ;)

Altra mostriciattola... "Le personali di Vera"

2006-11-22T13:58:00.000+01:00

Il 19 novembre alle ore 12.00 inaugurazione di Sinfonia di Colori, mostra personale di Rachele Verroca, in arte Vera, all'Archeo Club a Torre a Mare. L'esposizione della pittrice barese terminerà il 26 novembre.

La peculiarità narrativa di Rachele Verroca, operatrice delle arti visive sta in questa analisi del circostante, che la pone un passo avanti tra i più validi espressori dell’iperrealismo paesaggistico attuale.

Ovviamente non appena vado, e se posso, mi ricorderò di pubblicare le foto per il buon vecchio Pedro :)

Alla prossima... ;)

Il corpo ai confini del mito

2006-11-19T22:25:00.000+01:00

Si inaugura sabato 18 novembre alle ore 19,00 l’evento d’arte contemporanea dal titolo “Il corpo ai confini del mito”, presso la galleria Geo Arte Contemporanea a Bari a cura di Vito Caiati e Dores Sacquegna. In mostra le opere dell’artista Fosca (Marcella Fusco) . La giovane artista napoletana proviene dal digitale e in questa ultima serie - dedicata alla mitologia con Pasifae - elabora una serie di opere composte da tele e fotografie digitali, assemblate sia come immagini singole sia in dittici e trittici.
Tela-fotografia sono di due tipi di sviluppo tecnico (manuale e digitale) che permettono all’artista di elaborare la figura del mito stesso, integrandolo nella storia contemporanea, coniugando, così, l’evento storico con l’era multimediale. La nudità oggettivata dal voyeurismo anatomico di Pasifae è presente in queste opere con interfacce tattili di corpo-pietra, corpo-linea, corpo-digitale. In questo modo il corpo di Pasifae viene mostrato come bio-materiale e la presenza di questa figura mitologica si evolve in rapporto alle tecnologie.

In attesa di trovare del tempo per andarci da solo, consiglio a tutti ^^

Alla prossima... ;)

Final Destination 3

2006-11-17T10:16:00.000+01:00

Regia: James Wong
Cast: Mary Elizabeth Winstead, Ryan Merriman, Kris Lemche, Alexz Johnson, Sam Easton, Jesse Moss, Gina Holden.
Genere: Horror
Durata: 115 minuti
Produzione: USA 2006

Trama: Tra le più gettonate serie horror del nuovo millennio, Final Destination arriva al terzo episodio: ancora una volta per un manipolo di teenager americani scampare al proprio destino non sarà così semplice. Dopo l’esplosione del volo 180 ed il colossale incidente autostradale, ad essere inseguiti dal nero mietitore saranno i superstiti di un giro sfortunato sulle montagne russe del diavolo. Sarà Wendy, con le proprie visioni, a salvare un gruppo di compagni di liceo dall’incidente sulla giostra, e ad innescare così la catena di morti post-datate, in rigoroso ordine di posto a sedere.James Wong e Glen Morgan, vecchie conoscenze per i fan di X-Files e di Millennium, accettano la sfida: ripresa la propria creatura a distanza di un sequel, per molti versi più riuscito dell’originale, tornano a lavorare a quattro mani sull’idea alla base della serie. La formula è la medesima, ed ecco un altro teen-horror ricco di gore e siparietti macabri pronto a raddoppiare il budget sulla fiducia. Seppur sullo sfondo di una pregevole cornice tecnica, dando disperatamente fondo a quello che a suo tempo fu giustamente acclamato come ‘concept originale’, si finisce per generare sketch stiracchiati al punto da ricordare da vicino i vari Scary Movie. La sensazione, netta, è che sia rimasto veramente poco da spremere.

Alex Stellino (Ciak)
Grazie a una premonizione, la giovane Wendy (Mary Elizabeth Winstead) scampa a un disastro in un Luna park ma si convince di aver solo rimandato di qualche giorno l’appuntamento con la morte. Con l’aiuto di un amico (Ryan Merriman) cerca di rintracciare tutti gli altri superstiti per metterli in guardia. Il regista è lo stesso del primo Final Destination e pure il meccanismo è sempre quello (al posto dell’aereo stavolta ci sono le montagne russe) ma il risultato cambia. Anche perché la rappresentazione di una Morte ostinatamente determinata e ingegnosa comincia a mostrare la corda. Si salva giusto qualche scena particolarmente truce, ma tutt’intorno è vuoto di idee. Se mai dovrà esserci un altro sequel, meglio pensare direttamente al mercato homevideo. Già questo sul grande schermo ci sta largo.

Mariarosa Mancuso (Il Foglio)
La Morte è furiosa. Non ha tutti i torti. Voleva fare un lavoretto pulito, sbarazzandosi in un sol colpo di vari studentelli piuttosto antipatici. Piano perfetto: un ottovolante con qualche perdita nel circuito di sicurezza, un carrellino bloccato con le ruote in aria, le cinghie che non reggono la gravità. Se va bene cadi nel vuoto, se va male sarai spaccato in due. Per colpa di una cretina che vede nel futuro, il fatale disegno viene sabotato. La fanciulla urlante scende dalla giostra, e con lei se ne vanno gli altri predestinati. Ora la signora con la falce li deve rincorrere uno per uno (non faceva tanta fatica a imporsi da quando, nel "Senso della vita" dei Monty Python, per via della falce veniva interpellata come il giardiniere addetto al prato), e uccidere con mezzi di fortuna: un tubetto di crema che si svuota e blocca una porta, una bibita gelata piazzata su un termostato, la vibrazione di un telefono cellulare, un po' di chiodi dimenticati in giro, spade da decorazione, lampade abbronzanti. Combinandoli insieme con un po' di esperienza, la trappola mortale riesce lo stesso, ma si capisce che una bella strage offre maggiore soddisfazione. Estetica, prima di tutto. Per non parlar del tempo risparmiato (sapevamo che la signora in nero non andava mai in ferie, ora scopriamo che lavora a cottimo). Come se non bastasse, gli studentelli cominciano a subodorare qualcosa, quindi cercano di parare i colpi. Grazie a una serie di fotografie che predicono il futuro (in uno scatto si vede l'ombra di un aereo sulle Torri Gemelle, e ancora non siamo riusciti a capire come mai fosse finita nell'album). La Morte è furiosa anche perché è già la terza volta che le fanno lo stesso scherzo, e lei ci casca sempre. Nel primo – 50 milioni di dollari incassati - i morituri scendevano all'ultimo momento da un aereo destinato a schiantarsi. Nel secondo – 40 milioni di dollari incassati – i morituri sfuggivano a un incidente stradale, tra camion con rimorchio, e cisterne con liquidi infiammabili. La terza puntata incasserà un po' meno, perché ormai manca la sorpresa. Anche la morte deve aver perso la pazienza. E smette il lavoro di fino. Invece degli incidenti domestici, che inquietavano facendo diventare pericolose le forcine per capelli e i portachiavi, ricorre a esplosivi e a cavalli imbizzarriti.

Ed ora tocca a me: Per quanto possano piacermi tipologie di film cruenti in linea di massima, questo m'è sembrato molto sulla falsa riga degli altri, scontato direi.

Alla prossima... ;)

World Trade Center

2006-11-17T09:48:00.000+01:00

Regia: Oliver Stone
Cast: Nicolas Cage, Michael Peña, Maggie Gyllenhaal, Maria Bello, Stephen Dorff, Jay Hernandez, Michael Shannon
Genere: Drammatico
Durata: 129 minuti
Produzione: USA 2006

Trama: Un ticchettio di un orologio segna il tempo. Tutto a New York si muove, lavora, sorride, vive. D'improvviso un suono sordo, muto. Inizia l'inferno.JJ Mc Loughlin (Nicholas Cage), a capo di alcuni agenti di polizia portuale, entra nelle torri per salvare le migliaia di persone intrappolate nel World Trade Center. I minuti corrono inesorabili. Inaspettato, un fragore terrificante li scuote. Collassa la prima torre. Dopo alcuni minuti la seconda. Mc Loughlin e l'agente Jimeno rimangono intrappolati sotto le macerie, senza via di scampo. Questa è la vera storia del loro 11 settembre 2001."God bless America". Sì, "Dio benedica gli Stati Uniti". Questa è la visione di Oliver Stone di quel giorno terribile, indelebile nella mente di tutti gli Americani. L'11 settembre è stato, infatti l'unico "atto di guerra" perpetrato sul territorio statunitense. Il regista, basandosi sui racconti dei due agenti sopravvissuti, racconta la vicenda umana e universale di un popolo ferito (emblematica la ripresa aerea di Manhattan, con il fumo, come sangue, che esce dalle torri) e lo rappresenta nel buio delle macerie delle Twin Towers, quasi fosse nella giungla del Vietnam, che Stone ha vissuto in prima persona. Nicholas Cage non è molto distante da quei soldati che, per difendere il proprio paese, sono andati incontro a qualcosa di più grande di loro. I momenti terribili nelle tenebre, lo sporco sui visi, le macerie, si contrappongono alla celestiale luminosità dei volti delle famiglie in attesa (Maria Bello, nel film moglie di Mc Loughlin, ha per la prima volta gli occhi azzurri) e dei ricordi che passano velocemente davanti agli occhi dei protagonisti, per dirci che per non andare all'inferno bisogna avere un angelo custode. Questo impianto parallelo, a volte manierato, riduce l'impatto emozionale, che rimane comunque molto forte per le interpretazioni efficaci di Nicholas Cage e Michael Peña.World Trade Center è il manifesto di cosa ha rappresentato quel giorno per un popolo, quello americano, che conferisce grande importanza ai valori dell'amicizia, dell'amore, della famiglia. E Oliver Stone è, ancor prima di essere un regista, un cittadino degli Stati Uniti.

Francesca Scorcucchi (Il Mattino)
Sarà un'opera di passione collettiva, un'approfondita meditazione su cosa è accaduto quel giorno, piena di compassione. Sarà l'esplorazione dell'eroismo americano e dell'umanità del mondo di fronte alla tragedia». Oliver Stone commenta così il suo ultimo film, la cui produzione è iniziata pochi giorni fa a New York, una delle pellicole più attese e temute della storia recente di Hollywood: il film sull'11 settembre, la cui produzione è stata annunciata lo scorso 11 luglio e che uscirà l'11 agosto del prossimo anno. Il numero undici ricorre con inquietante parossismo. Si tratta solo di una combinazione? Certamente non è una coincidenza la decisione di fare uscire il film un mese prima del quinto anniversario della tragedia più dolorosa della storia americana. «Il film non sarebbe mai potuto uscire nel giorno dell'anniversario per non dare l'impressione di voler strumentalizzare l'avvenimento», ha detto a «Variety» Wayne Lewellen, responsabile degli studi Paramount, che produrrà la pellicola. La delicatezza del tema trattato ha fatto sì che il primo ciak fosse preceduto da mesi di incontri con la comunità newyorkese e con le famiglie vittime dell'attentato. Le scene del collasso delle torri saranno, inoltre, girate lontano da New York, nei grandi capannoni della Paramount a Los Angeles. Le vere immagini di quel giorno passeranno solo nei televisori, sistemati sullo sfondo di alcune scene. I responsabili hanno promesso massimo rispetto e attenzione su un tema tanto delicato. «Non sarà certo in stile “Titanic” o “Inferno di Cristallo”», ha detto il produttore esecutivo Michael Shamberg, ma i parenti delle centinaia di vittime non sono del tutto certe della bontà dell'iniziativa. «Spero che useranno un certo riguardo anche se non so come potranno non urtare la sensibilità di chi, come me, è stato direttamente colpito» ha detto al «New York Times» Lee Ielpi, che nell'attentato perse il figlio vigile del fuoco. Il film, che vedrà protagonista il premio Oscar Nicolas Cage, non ha ancora un titolo. Quello che si sa è che racconterà la storia dei due poliziotti, John McLoughlin e William J. Jimeno, che per ultimi furono estratti vivi dalle macerie del World Trade Center. Cage interpreterà il sergente della Port Authority McLoughlin, che trascorse 24 ore con il collega Jimeno prima di essere salvato. Allora si gridò al miracolo ed ora il miracolo di John e William viene raccontato dal regista che meglio di altri ha saputo dipingere i momenti cruciali della storia recente americana, il regista di «Platoon», «Nato il 4 luglio» e «JFK». «Forse qualcuno soffrirà ma era ora che si raccontasse la storia della gente che era al World Trade Center il giorno dell'attacco - ha dichiarato il vero sergente McLoughlin - Quella tragedia ha spinto gli americani e la gente di tutto il mondo a lavorare insieme per aiutare coloro che avevano bisogno di aiuto». Jennifer Brown, incaricata di ricostruire Ground Zero a Los Angeles, è certa che «Non appena la gente capirà che quello che vogliamo fare è raccontare solo una particolare storia, quella degli ufficiali McLoughlin e Jimeno, allora ci sosterrà». Il film di Stone è stato il primo a partire con le riprese, ma non sarà il primo a comparire sul grande schermo. Flight 93, diretto da Paul Greengrass, il regista di Bloody Sunday (il film che raccontava un'altra drammatica storia, quella sulla protesta irlandese del 1972 che si concluse con un massacro operato dalle truppe britanniche) è previsto in uscita per aprile, o forse maggio, fa sapere «Variety», al Festival di Cannes. Il progetto, infatti, non richiederà tempi lunghi di realizzazione, solo quaranta giorni di riprese per raccontare in tempo reale, novanta minuti, cosa è successo sul quarto aereo dirottato quella tragica mattina del 2001, quello si schiantò in un campo della Pennsylvania dopo un atto di coraggio da parte dei passeggeri. Il film comincerà il racconto dal momento del dirottamento per proseguire con la scoperta, da parte di alcuni passeggeri attraverso il cellulare, che altri aerei erano stati dirottati quella mattina e erano stati lanciati contro il World Trade Center e contro il Pentagono. La notizia fece prendere ai passeggeri l'eroica decisione di sacrificare le loro vite e far precipitare l'aereo prima che questo potesse raggiungere Washington. Il copione di Flight 93, che al momento vede nel cast solo la giovane attrice canadese Meghan Heffern, sarà in parte improvvisato e Greengrass prevede l'uso di telecamere a mano per dare al film un taglio più realistico. «Credo che qualche volta - dice il regista - guardando con la maggior chiarezza e obiettività possibili a un singolo evento, si riesca a trovare nelle sue pieghe qualcosa di molto prezioso, qualcosa di molto più grande dell'evento stesso: il Dna del nostro tempo».

Lietta Tornabuoni (La Stampa)
Sulla tragedia dell’11 settembre 2001, l'attacco aereo alle torri gemelle di New York e la morte di oltre 3000 persone, Oliver Stone ha fatto con World Thade Center (fuori concorso) un film senza terrorismo, senza complotti, senza enfasi, senza politica (si vede per un attimo Bush che fa il suo telediscorso alla nazione ma nessuno ci fa caso, è come fosse un portacenere). Un film patriottico e non presidenziale né governativo, ispirato ai miti dell’eroismo americano: individualismo, altruismo, difesa delle propria famiglia. Nel film l’attacco sembra una catastrofe naturale, un terremoto. Nessun eroe va all’assalto o fa irruzione, nessuna bandiera sventola. Inchiodati dal peso delle macerie cadute loro addosso, due uomini possono fare soltanto quanto è consentito nel nostro tempo por restare vivi: conservarsi svegli, resistere. Se c’è un film al quale World Trade Center in qualche modo somiglia, è Il segno rosso del coraggio di John Huston, tratto dal romanzo di Stephen Crane. Il film è poi archetipico come un’illustrazione di Norman Rockwell. E’ l’alba rosa a New York, nelle case squillano le sveglie, gli uomini della polizia portuale si alzano per andare a lavorare, la città è vuota, quieta e luminosa. Più tardi arriva la notizia, i poliziotti si bardano in fretta con caschi, zaini, bombole, dal finestrino del pullman vedono gli scampati, i feriti, il fumo, la nebbia, la polvere. Sul posto, sentono il rombo di altri crolli. Non tutti si propongono volontari per salvare i colpiti. Anzi, sono in pochi a seguire il sergente. Ancora meno, due (Nicolas Cage, Michael Pena) rimangono vittime di nuove scosse, frane, fuoco, macerie: paralizzati, possono soltanto parlare tra loro nel buio, soffrire per la sete e la mancanza d’aria, sperare di venir salvati. Alle loro immagini si alternano quelle delle famiglie che li aspettano tentando di non cedere alla disperazione. Uno dei sepolti crede di vedere il fantasma di Gesù. Le donne (bionda e bruna, bianca e nera) si abbracciano.Li salvano, con molte difficoltà. Un’autorità fa un discorso: «Questo episodio ha messo in luce che esistono uomini pronti a soccorrere altri uomini soltanto perché è una cosa giusta». L’istinto drammaturgico di Oliver Stone calibra i tempi molto bene, la sua maestria di regista rende la parte iniziale dei film molto efficace. A volte esagera, si sa. Inventa un personaggio simbolico eccessivo: un marine giovane, alto e forte in divisa che tutto solo cammina tra le macerie con l'autorità di un santo, avverte i richiami dei sepolti vivi, ne indirizza il recupero e si allontana, va in Iraq dove pure «servono uomini in gamba».Ma lo scoramento del regista per i morti e per i vivi suona sincero, non offensivo: la polemica di qualche associazione di neri che aveva accusato Oliver Stone di aver usato un attore bianco anziché nero pare caduta. Della qualità degli attori si può dire poco: ameno che l’accettare di recitare immobili nel buio non sia, anche quella, una qualità.

Ed ora tocca a me: A parte la critica di Stefania e la scena della "visione dell'acqua" a me questo film non è dispiaciuto, ovviamente molto bravo Nicolas Cage.

Alla prossima... ;)

Qui Torino: L'equazione Picasso-Dubuffet

2006-11-14T23:31:00.000+01:00

20 Ottobre 2006 - 21 Gennaio 2007

Palazzo Bricherasio ospita, per la prima volta in Italia, la collezione della Fondazione Jean e Suzanne Planque: l’esposizione, curata da Florian Rodari, mette in mostra circa 100-130 opere tra dipinti e disegni dei più grandi artisti della prima metà del Novecento. La collezione, nell’eterogeneità ed insieme straordinaria coerenza delle opere, pazientemente raccolte nell’arco di cinquant’anni di vita, esprime in toto l’eccezionale qualità dello sguardo di Jean Planque e rende omaggio alle diverse sfumature della sua sensibilità. Straordinario insieme di capolavori, la collezione è meritevole di grande attenzione per l’oculatezza delle scelte operate dal collezionista e per la rara finezza di certe opere. Il pubblico avrà l’opportunità di ammirare lavori dei più importanti Maestri dell’Arte moderna (da Cézanne a Picasso, da Degas a Bonnard, da Van Gogh a Rouault, da Dubuffet a Klee) grazie ai quali potrà apprezzare l’efficacia e la profondità del linguaggio pittorico, confrontandosi con quella nuova ricerca espressiva, che rompendo con il carattere accademico imposto dalla tradizione, aprirà le porte allo sperimentalismo che caratterizzerà tutta la produzione figurativa degli anni successivi.Nel corso della sua sistematica ricognizione delle mostre nelle gallerie di maggior prestigio in Svizzera e a Parigi, alla ricerca di capolavori da acquistare per il gallerista Beyeler, Planque è riuscito a regalarsi ancora alcuni dipinti e disegni di impressionisti quali Gauguin, Van Gogh, Degas, Monet e Renoir. Lo speciale rapporto con la città di Parigi, che lo ha risvegliato all’arte, dà corpo ad un consistente nucleo di opere di artisti francesi, da Braque a Dufy, da Delaunay a Léger. Infine la collezione si arricchisce di due prestigiosi insiemi di opere di Picasso e Dubuffet, grandi amici di Jean Planque. L’aver “amato più i quadri che la vita” è una sorta di dichiarazione programmatica con cui Planque giustifica il suo approccio irrazionale e passionale all’arte. Quella stessa energia ed entusiasmo che armano il riscatto culturale di chi ha “fatto tutto da solo, partito dal nulla, senza cultura, senza mezzi economici”. Un favoloso destino che gli ha permesso di divenire, grazie soprattutto all’incontro con il grande gallerista di Basilea Ernst Beyeler, conoscitore raffinato delle opere in circolazione dei grandi maestri delle avanguardie, ma anche di conoscere e diventare amico di molti artisti. La sua, però, non è da intendersi solo come la carriera di un mercante, ma il suo è anche il destino di un collezionista animato dalla volontà di acquisire, conservare e proteggere il maggior numero di opere degli artisti più amati del tempo, ed evitare che la dimensione spirituale dell’arte sia eccessivamente contaminata da quella più materiale dell’economia di mercato. La dedizione totale ad una passione unica, la consapevolezza di aver rinunciato ad un futuro sereno per seguire l’irrazionale impulso che lo spinge a bussare alla porta delle gallerie, ad acquistare le sue prime tele, a dialogare con i più rappresentativi artisti della sua generazione, non fa altro che accrescere il fascino malinconico della figura singolare e per certi versi eccezionale di Jean Planque.

Nello specifico Picasso-Dubuffet...

Due gruppi di opere, curiosamente simmetrici, spiccano sul resto della collezione di Jean Planque. Picasso e Dubuffet sono rappresentati ciascuno da una ventina di lavori, scaglionati nel tempo – dal 1917 al 1970 per quanto riguarda Picasso, dal 1949 al 1984 per Dubuffet. Formatasi a partire dagli anni quaranta, e soprattutto dall’inizio della sua collaborazione con Beyeler, nel 1954, la collezione di Planque continuò ad arricchirsi anche dopo la fine di questo sodalizio, nel 1972, ad esempio con l’acquisizione di un Psychosite, una Mire e un Non-lieu degli ultimi anni di Dubuffet. Come giudicare l’insistenza di questo sguardo parallelo su questi due grandissimi artisti? Opposti in tutto, si direbbe se, a ben guardare, non si rivelassero, con l’aiuto delle note e dei ricordi di Jean Planque, il dialogo segretamente intessuto, i rapporti non immediatamente visibili che univano i due atelier, per il tramite dell’amatore a cui era concesso penetrare nell’uno (a volte) come nell’altro (molto spesso).Il suo rapporto con Dubuffet, che conosce e che contribuisce a far “scoprire” verso la metà degli anni cinquanta e con cui stabilirà ben presto un profondo legame di amicizia, è tuttavia diverso, sin dall’inizio, da quello con Picasso, che accorda (dopo il 1960) alla sua estrema sincerità il raro privilegio di alcune lunghe conversazioni nel suo atelier, davanti alle sue opere. In entrambi i casi, scatta immediatamente la molla della fascinazione, del coinvolgimento.

Alla prossima... ;)

Trovati 2 cuccioli!

2006-11-13T11:30:00.000+01:00

Chiunque fosse interessato mi contattasse tramite blog!!!!!

Alla prossima... ;)

Qui Milano:Buon compleanno Rembrandt

2006-10-31T15:18:00.000+01:00

8 Novembre 2006 - 9 Novembre 2006

“Quattrocento anni e non sentirli”, si direbbe oggi.

Tanti infatti ne compirebbe quest’anno Rembrandt Harmensz van Rijn (nato a Leida nel 1606) e la fama del suo genio non accenna a diminuire, anzi le celebrazioni per questo compleanno si moltiplicano attraverso mostre e pubblicazioni in tutto il mondo.
Rembrandt realizzò circa 370 acquaforti, la maggior parte delle quali incise direttamente sulla lastra di rame senza l’ausilio di un disegno preliminare.
La mostra di incisioni antiche e moderne che la Galleria Valeria Bella espone dall’8 novembre al 9 dicembre con un ricco catalogo, presenta sei acquaforti del maestro olandese, tutte di grande rarità (se ne conoscono pochi esemplari al mondo) e di alta qualità, come difficilmente oggi è dato vedere.

Esse sono:

Il paesano con le mani dietro la schiena
Il mendicante con il cappello alto
La grande sposa ebrea
Il paesaggio con obelisco
San Gerolamo nello studio
Studi di teste

Sempre in ambito di rarità la galleria presenta fra tante interessanti stampe, due bulini del ‘400, una Santa Agnese ad opera di Israel van Meckenem, La Morte della Vergine di Martin Schongauer, e un bulino del ‘500, Il Rinoceronte di Enea Vico, curiosa e anch’essa rarissima stampa raffigurante “il primo esemplare di questa specie ad essere visto in Europa dall’epoca romana”.
Per i moderni molto ben rappresentato il “versante” italiano con Boccioni, Campigli, Fattori, Marini, e Morandi, e quello d’oltralpe e più con Heckel, Kollwitz, Müller, Munch e Nolde.

Quante mostre e quanta tristezza :(

Alla prossima... ;)

Qui Bologna:mutevoli danze di segni incisi

2006-10-31T14:08:00.000+01:00

31 ottobre 2006 - 29 gennaio 2007
Nel 2006 in occasione delle celebrazioni per i 400 anni dalla nascita di Rembrandt anche il Museo Morandi desidera rendere omaggio al grande artista olandese, considerando il costante interessamento che Giorgio Morandi rivolgeva soprattutto alla sua arte incisoria.
Il pittore bolognese possedeva infatti cinque incisioni all'acquaforte di Rembrandt, di cui quattro oggi conservate presso il museo; inoltre si tenne sempre aggiornato sulle pubblicazioni relative all’argomento, fino a studiare attentamente, sebbene fosse scritta in inglese, la monografia di Ludwig Münz sulle acqueforti di Rembrandt uscita nel 1952.
L'esposizione è curata da Marzia Faietti, direttrice del Gabinetto Disegni e Stampe degli Uffizi e nasce dalla collaborazione con l’istituto fiorentino dove, oltre alle note acqueforti di Rembrandt, sono conservate molte incisioni di Giorgio Morandi donate dall'ultima sorella dell'artista.
Per Morandi l'attività incisoria, di cui fu docente presso l'Accademia di Bologna dal 1930 al 1956, non fu certo una pratica marginale o episodica rispetto all'opera di pittura, al pari di Rembrandt d'altronde, che incise soprattutto fra il 1626 e il 1665.
In un'intervista Morandi dichiarò di preferire, tra gli incisori, quelli "che sono anche pittori […] specialmente Rembrandt e Goya".
Non pare casuale dunque che Morandi fosse dedito a una tecnica "antica" come quella dell'acquaforte e che come Rembrandt utilizzasse un torchio di legno di quercia, oggi conservato in una sala del museo.
Per queste ragioni la selettiva e ragionata rassegna ospitata nella Sala Ottagonale del Museo Morandi intende approfondire attraverso analogie visive la relazione tra le opere dei due incisori, anche a conferma e verifica degli studi compiuti da Lamberto Vitali in poi.
Nelle prime prove incisorie di Morandi, iniziate intorno agli anni Venti, i riferimenti tecnico-formali all'opera del grande maestro olandese sono quanto mai espliciti, anche se in un'interpretazione molto libera e originale.
I due artisti appartengono, infatti, a due mondi e a due sensibilità molto diverse, ma li accomuna la flessibilità del segno e la variazione continua del tracciato.
Il percorso espositivo mostrerà 33 incisioni di Rembrandt e Morandi a confronto rivelando affinità tecniche molto precise pur negli accostamenti iconografici molto lontani.
L'attenzione di Morandi per Rembrandt è testimoniata inoltre dalla presenza nella sua biblioteca di alcuni volumi sull'artista olandese che saranno esposti in mostra.

Ma mostre qui quando ne vedrò?Ancora più triste...
Pedro ovviamente consiglio :)

Alla prossima... ;)