SenzaSenzo

giovedì 5 aprile 2007

Finalmente scrivo di nuovo :) Zandomeneghi De Nittis Renoir. I Pittori della felicità.

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by Sordido1981 at 09:22 | 4 comments (create) - (View)

sabato 20 gennaio 2007

San Nicola - Splendori d'arte d'Oriente e d'Occidente -

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by Sordido1981 at 12:10 | 7 comments (create) - (View)

martedì 16 gennaio 2007

Il Sole nelle mani

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by Sordido1981 at 00:00 | 3 comments (create) - (View)

martedì 28 novembre 2006

Notiziuncole eventi vari :)

Soul Makossa ospita Papa Wemba

Il 2 Dicembre al Pala Martino

Ancora un evento per la settima edizione del Soul Makossa 2006 Festival Interetnico della Musica e del Teatro. Il 2 dicembre alle ore 21.00 concerto di Papa Wemba al Pala Martino. Cantante estroverso crea un nuovo aggressivo afro pop denominato “rhumba rock”. L'evento è organizzato da Abusuan, l'assessorato al Mediterraneo dlla Regione Puglia, l'assessorato alla Cultura della Provincia di Bari e l'assessorato alle Culture e Religioni e quello al Commercio del Comune di Bari.

Mostra di Natale al Mongolfiera

A Japigia dal 26 novembre 2006 al 6 gennaio 2007

Al Centro Commerciale Mongolfiera di Bari Japigia è quasi Natale! Da martedì 21 novembre al 6 gennaio nella galleria del Centro Commerciale Mongolfiera a Japigia è stata allestita una Mostra di Natale. Caratteristiche opere di artigianato, presepi e simpatici oggetti legati alla tradizione natalizia ravviveranno la galleria. Realizzata in collaborazione con artisti e associazioni culturali, la mostra permanente allieterà le passeggiate e lo shopping nel Centro. Anche questa iniziativa rientra nella vision del Centro Commerciale di Bari Japigia, un centro divenuto ormai parte integrante del quartiere. Le diverse iniziative intraprese negli anni mostrano la forte volontà di far parte della vita quotidiana dei baresi e di sviluppare un forte radicamento nel territorio circostante.

Uno sguardo in Periferia

A Triggiano la mostra di Pino Pavone dal 1 dicembre 2006 al 17 dicembre 2006

Periferie - sguardi sul nostro paesaggio. Venerdi 1 dicembre alle 19 presso il Palazzo Comunale di Triggiano (Palazzo Pontrelli) si inaugura una mostra collettiva sul tema della periferia ideata da Pino Pavone.
La mostra sarà aperta tutti i giorni fino al 17 dicembre con i seguenti orari: 10.00 - 12.30 / 18.00 - 21.00

Il Giardino Babele del Teatro Kismet

Domenica 10 dicembre h 21.00 Css Teatro Stabile d’innovazione del FVG / balletto civile "I sette a Tebe" liberamente tratto da I sette contro Tebe di Eschilo;

Progetto speciale 19 / 21 Gennaio h 21.00 Studio su Medea Venerdì 19 h 21.00 Capitolo I Medea & Giasone Sabato 20 h 21.00 Capitolo II Medea & Figli Domenica 21 h 18.00 Capitolo I, h 20.00 Capitolo II e h 22.00 Capitolo III Medea DeaAntonio Latella elaborazione drammaturgica Federico Bellini regia Antonio Latella con Nicole Kehrberger Michele Andrei, Giuseppe Lanino, Emilio Vacca musiche Franco Visioli luci Giorgio Cervesi Ripa costumi Rosa Futuro, Tobias Marx foto Anna Bertozzi movimenti coreografici e regista assistente Rosario Tedesco;

Mercoledì 28 Febbraio e 1 e 2 Marzo h 20.00 c/o la Sala prove al Fornelli Teatro Kismet Oper AA B. a Samuel Beckett primo studio Lello Tedeschi;

Venerdì 16 Marzo h 17.00 incontro c/o CUTAMC str. S. Giacomo – Borgo Antico Immaginario Pasoliniano con i Motus saranno proiettati materiali video;

Mercoledì 2, Giovedì 3 e Venerdì 4 Maggio h 20.00 c/o la Sala prove al Fornelli A B. a Samuel Beckett studio finale Lello Tedeschi ;

I Deep Purple ad Andria

Ad Andria il 13 Marzo 2007

Il 13 Marzo prossimo arrivano i "Deep Purple", una delle storiche band della musica hard rock. Un appuntamento imperdibile per gli amanti del rock più duro, con un gruppo internazionale di primissimo piano che ha segnato pagine memorabili nella storia della musica moderna. La realizzazione del concerto è curata dalla Delta Concerti: costo dei biglietti 34-50 euro.

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by Sordido1981 at 16:04 | 0 comments (create) - (View)

mercoledì 22 novembre 2006

Altra mostriciattola... "Le personali di Vera"

Il 19 novembre alle ore 12.00 inaugurazione di Sinfonia di Colori, mostra personale di Rachele Verroca, in arte Vera, all'Archeo Club a Torre a Mare. L'esposizione della pittrice barese terminerà il 26 novembre.

La peculiarità narrativa di Rachele Verroca, operatrice delle arti visive sta in questa analisi del circostante, che la pone un passo avanti tra i più validi espressori dell’iperrealismo paesaggistico attuale.

Ovviamente non appena vado, e se posso, mi ricorderò di pubblicare le foto per il buon vecchio Pedro :)

Alla prossima... ;)

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by Sordido1981 at 13:58 | 0 comments (create) - (View)

domenica 19 novembre 2006

Il corpo ai confini del mito

Si inaugura sabato 18 novembre alle ore 19,00 l’evento d’arte contemporanea dal titolo “Il corpo ai confini del mito”, presso la galleria Geo Arte Contemporanea a Bari a cura di Vito Caiati e Dores Sacquegna. In mostra le opere dell’artista Fosca (Marcella Fusco) . La giovane artista napoletana proviene dal digitale e in questa ultima serie - dedicata alla mitologia con Pasifae - elabora una serie di opere composte da tele e fotografie digitali, assemblate sia come immagini singole sia in dittici e trittici.
Tela-fotografia sono di due tipi di sviluppo tecnico (manuale e digitale) che permettono all’artista di elaborare la figura del mito stesso, integrandolo nella storia contemporanea, coniugando, così, l’evento storico con l’era multimediale. La nudità oggettivata dal voyeurismo anatomico di Pasifae è presente in queste opere con interfacce tattili di corpo-pietra, corpo-linea, corpo-digitale. In questo modo il corpo di Pasifae viene mostrato come bio-materiale e la presenza di questa figura mitologica si evolve in rapporto alle tecnologie.


In attesa di trovare del tempo per andarci da solo, consiglio a tutti ^^

Alla prossima... ;)

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by Sordido1981 at 22:25 | 8 comments (create) - (View)

martedì 14 novembre 2006

Qui Torino: L'equazione Picasso-Dubuffet

20 Ottobre 2006 - 21 Gennaio 2007

Palazzo Bricherasio ospita, per la prima volta in Italia, la collezione della Fondazione Jean e Suzanne Planque: l’esposizione, curata da Florian Rodari, mette in mostra circa 100-130 opere tra dipinti e disegni dei più grandi artisti della prima metà del Novecento. La collezione, nell’eterogeneità ed insieme straordinaria coerenza delle opere, pazientemente raccolte nell’arco di cinquant’anni di vita, esprime in toto l’eccezionale qualità dello sguardo di Jean Planque e rende omaggio alle diverse sfumature della sua sensibilità. Straordinario insieme di capolavori, la collezione è meritevole di grande attenzione per l’oculatezza delle scelte operate dal collezionista e per la rara finezza di certe opere. Il pubblico avrà l’opportunità di ammirare lavori dei più importanti Maestri dell’Arte moderna (da Cézanne a Picasso, da Degas a Bonnard, da Van Gogh a Rouault, da Dubuffet a Klee) grazie ai quali potrà apprezzare l’efficacia e la profondità del linguaggio pittorico, confrontandosi con quella nuova ricerca espressiva, che rompendo con il carattere accademico imposto dalla tradizione, aprirà le porte allo sperimentalismo che caratterizzerà tutta la produzione figurativa degli anni successivi.Nel corso della sua sistematica ricognizione delle mostre nelle gallerie di maggior prestigio in Svizzera e a Parigi, alla ricerca di capolavori da acquistare per il gallerista Beyeler, Planque è riuscito a regalarsi ancora alcuni dipinti e disegni di impressionisti quali Gauguin, Van Gogh, Degas, Monet e Renoir. Lo speciale rapporto con la città di Parigi, che lo ha risvegliato all’arte, dà corpo ad un consistente nucleo di opere di artisti francesi, da Braque a Dufy, da Delaunay a Léger. Infine la collezione si arricchisce di due prestigiosi insiemi di opere di Picasso e Dubuffet, grandi amici di Jean Planque. L’aver “amato più i quadri che la vita” è una sorta di dichiarazione programmatica con cui Planque giustifica il suo approccio irrazionale e passionale all’arte. Quella stessa energia ed entusiasmo che armano il riscatto culturale di chi ha “fatto tutto da solo, partito dal nulla, senza cultura, senza mezzi economici”. Un favoloso destino che gli ha permesso di divenire, grazie soprattutto all’incontro con il grande gallerista di Basilea Ernst Beyeler, conoscitore raffinato delle opere in circolazione dei grandi maestri delle avanguardie, ma anche di conoscere e diventare amico di molti artisti. La sua, però, non è da intendersi solo come la carriera di un mercante, ma il suo è anche il destino di un collezionista animato dalla volontà di acquisire, conservare e proteggere il maggior numero di opere degli artisti più amati del tempo, ed evitare che la dimensione spirituale dell’arte sia eccessivamente contaminata da quella più materiale dell’economia di mercato. La dedizione totale ad una passione unica, la consapevolezza di aver rinunciato ad un futuro sereno per seguire l’irrazionale impulso che lo spinge a bussare alla porta delle gallerie, ad acquistare le sue prime tele, a dialogare con i più rappresentativi artisti della sua generazione, non fa altro che accrescere il fascino malinconico della figura singolare e per certi versi eccezionale di Jean Planque.

Nello specifico Picasso-Dubuffet...

Due gruppi di opere, curiosamente simmetrici, spiccano sul resto della collezione di Jean Planque. Picasso e Dubuffet sono rappresentati ciascuno da una ventina di lavori, scaglionati nel tempo – dal 1917 al 1970 per quanto riguarda Picasso, dal 1949 al 1984 per Dubuffet. Formatasi a partire dagli anni quaranta, e soprattutto dall’inizio della sua collaborazione con Beyeler, nel 1954, la collezione di Planque continuò ad arricchirsi anche dopo la fine di questo sodalizio, nel 1972, ad esempio con l’acquisizione di un Psychosite, una Mire e un Non-lieu degli ultimi anni di Dubuffet. Come giudicare l’insistenza di questo sguardo parallelo su questi due grandissimi artisti? Opposti in tutto, si direbbe se, a ben guardare, non si rivelassero, con l’aiuto delle note e dei ricordi di Jean Planque, il dialogo segretamente intessuto, i rapporti non immediatamente visibili che univano i due atelier, per il tramite dell’amatore a cui era concesso penetrare nell’uno (a volte) come nell’altro (molto spesso).Il suo rapporto con Dubuffet, che conosce e che contribuisce a far “scoprire” verso la metà degli anni cinquanta e con cui stabilirà ben presto un profondo legame di amicizia, è tuttavia diverso, sin dall’inizio, da quello con Picasso, che accorda (dopo il 1960) alla sua estrema sincerità il raro privilegio di alcune lunghe conversazioni nel suo atelier, davanti alle sue opere. In entrambi i casi, scatta immediatamente la molla della fascinazione, del coinvolgimento.

Alla prossima... ;)

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by Sordido1981 at 23:31 | 2 comments (create) - (View)

martedì 31 ottobre 2006

Qui Milano:Buon compleanno Rembrandt

8 Novembre 2006 - 9 Novembre 2006

“Quattrocento anni e non sentirli”, si direbbe oggi.

Tanti infatti ne compirebbe quest’anno Rembrandt Harmensz van Rijn (nato a Leida nel 1606) e la fama del suo genio non accenna a diminuire, anzi le celebrazioni per questo compleanno si moltiplicano attraverso mostre e pubblicazioni in tutto il mondo.
Rembrandt realizzò circa 370 acquaforti, la maggior parte delle quali incise direttamente sulla lastra di rame senza l’ausilio di un disegno preliminare.
La mostra di incisioni antiche e moderne che la Galleria Valeria Bella espone dall’8 novembre al 9 dicembre con un ricco catalogo, presenta sei acquaforti del maestro olandese, tutte di grande rarità (se ne conoscono pochi esemplari al mondo) e di alta qualità, come difficilmente oggi è dato vedere.

Esse sono:

Il paesano con le mani dietro la schiena
Il mendicante con il cappello alto
La grande sposa ebrea
Il paesaggio con obelisco
San Gerolamo nello studio
Studi di teste

Sempre in ambito di rarità la galleria presenta fra tante interessanti stampe, due bulini del ‘400, una Santa Agnese ad opera di Israel van Meckenem, La Morte della Vergine di Martin Schongauer, e un bulino del ‘500, Il Rinoceronte di Enea Vico, curiosa e anch’essa rarissima stampa raffigurante “il primo esemplare di questa specie ad essere visto in Europa dall’epoca romana”.
Per i moderni molto ben rappresentato il “versante” italiano con Boccioni, Campigli, Fattori, Marini, e Morandi, e quello d’oltralpe e più con Heckel, Kollwitz, Müller, Munch e Nolde.


Quante mostre e quanta tristezza :(


Alla prossima... ;)

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by Sordido1981 at 15:18 | 37 comments (create) - (View)

Qui Bologna:mutevoli danze di segni incisi

31 ottobre 2006 - 29 gennaio 2007
Nel 2006 in occasione delle celebrazioni per i 400 anni dalla nascita di Rembrandt anche il Museo Morandi desidera rendere omaggio al grande artista olandese, considerando il costante interessamento che Giorgio Morandi rivolgeva soprattutto alla sua arte incisoria.
Il pittore bolognese possedeva infatti cinque incisioni all'acquaforte di Rembrandt, di cui quattro oggi conservate presso il museo; inoltre si tenne sempre aggiornato sulle pubblicazioni relative all’argomento, fino a studiare attentamente, sebbene fosse scritta in inglese, la monografia di Ludwig Münz sulle acqueforti di Rembrandt uscita nel 1952.
L'esposizione è curata da Marzia Faietti, direttrice del Gabinetto Disegni e Stampe degli Uffizi e nasce dalla collaborazione con l’istituto fiorentino dove, oltre alle note acqueforti di Rembrandt, sono conservate molte incisioni di Giorgio Morandi donate dall'ultima sorella dell'artista.
Per Morandi l'attività incisoria, di cui fu docente presso l'Accademia di Bologna dal 1930 al 1956, non fu certo una pratica marginale o episodica rispetto all'opera di pittura, al pari di Rembrandt d'altronde, che incise soprattutto fra il 1626 e il 1665.
In un'intervista Morandi dichiarò di preferire, tra gli incisori, quelli "che sono anche pittori […] specialmente Rembrandt e Goya".
Non pare casuale dunque che Morandi fosse dedito a una tecnica "antica" come quella dell'acquaforte e che come Rembrandt utilizzasse un torchio di legno di quercia, oggi conservato in una sala del museo.
Per queste ragioni la selettiva e ragionata rassegna ospitata nella Sala Ottagonale del Museo Morandi intende approfondire attraverso analogie visive la relazione tra le opere dei due incisori, anche a conferma e verifica degli studi compiuti da Lamberto Vitali in poi.
Nelle prime prove incisorie di Morandi, iniziate intorno agli anni Venti, i riferimenti tecnico-formali all'opera del grande maestro olandese sono quanto mai espliciti, anche se in un'interpretazione molto libera e originale.
I due artisti appartengono, infatti, a due mondi e a due sensibilità molto diverse, ma li accomuna la flessibilità del segno e la variazione continua del tracciato.
Il percorso espositivo mostrerà 33 incisioni di Rembrandt e Morandi a confronto rivelando affinità tecniche molto precise pur negli accostamenti iconografici molto lontani.
L'attenzione di Morandi per Rembrandt è testimoniata inoltre dalla presenza nella sua biblioteca di alcuni volumi sull'artista olandese che saranno esposti in mostra.


Ma mostre qui quando ne vedrò?Ancora più triste...
Pedro ovviamente consiglio :)

Alla prossima... ;)

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by Sordido1981 at 14:08 | 0 comments (create) - (View)

sabato 28 ottobre 2006

Brescia. Turner e gli impressionisti

Brescia.Composta di 285 opere e divisa in 5 ampie sezioni, la mostra, a cura di Marco Goldin, per la prima volta in Italia tratteggia l’importante vicenda della nascita del paesaggio impressionista. Facendolo però da un punto di vista molto più dilatato e così storicamente fondato. Infatti, la prima sezione indicherà, attraverso l’opera di Constable e Turner, le maggiori preesistenze in Europa, al di fuori della Francia, nei termini della più elevata qualità quanto a una nuova interpretazione del paesaggio. Non è inutile ricordare, tra l’altro, come Constable e Turner siano stati fondamentali, il primo in modo particolare per gli artisti di Barbizon e il secondo specialmente per Monet. Questo capitolo introduttivo sarà già l’affondo dentro una natura descritta e interpretata in modo assai diverso rispetto al XVIII secolo.
Con Constable seguendo le vie di un realismo che si tramuta in lume nuovo sulle cose, e con Turner lungo i sentieri di quella dissoluzione della natura nella luce e nel colore che conteranno così tanto appunto per Claude Monet.
La seconda sezione, intitolata Dall’Accademia ai primi sguardi sulla natura, intende illustrare l’evoluzione del paesaggio da fondale scenografico, luogo in cui accadono le storie della Mitologia e delle Sacre scritture, a genere in cui la natura, pur non assumendo mai quella rilevanza che, negli stessi anni, le era propria con l’opera di Constable e Turner, viene consapevolmente studiata dal vero da pittori come Granet, Constantin, Valenciennes e, naturalmente, Corot. Artisti tutti che, soprattutto nei loro soggiorni italiani, sembrano decisamente capovolgere il gusto della ricostruzione storica in favore di uno sguardo più limpido sulla natura, finalmente accarezzata e amata, percorsa da uno sguardo mai vuoto e inutile. Questa disposizione d’amore sarà il punto di partenza anche per i giovani pittori impressionisti quando, qualche decennio più tardi, si affacceranno sulla scena parigina.
Poi sarà l’impressionismo a guadagnare gradualmente il centro della scena. E, naturalmente, volendo spiegare cosa abbia rappresentato, per quel gruppo straordinario di pittori, il paesaggio, bisognerà partire da Barbizon. Nella terza sezione infatti, intitolata Da Barbizon al primo paesaggio impressionista, si avrà modo di misurare quale fu la vera, incredibile novità introdotta da quei pittori, i cui esordi sono da ricondurre ai primissimi anni trenta, riconosciuti come gli artefici di una rottura che segna la fine dell’ascendente teorico ed estetico del paesaggio classico. La natura non è più quella di un’Italia pittoresca e idealizzata, ma quella di una Francia scoperta gradualmente. Si inizia con l’esplorazione delle foreste attorno a Parigi, come Compiègne, Montmorency e Louveciennes. Ma il luogo che, più di altri, rinvigorì il paesaggio contemporaneo francese tra gli anni trenta e gli anni cinquanta, fu la foresta di Fontainebleau con le sue frazioni, Barbizon, Marlotte e Chailly. Corot, Français e Huet furono tra i primi a frequentare questi luoghi mitici, e vennero poi seguiti da Diaz de la Peña, Rousseau, Daubigny e Courbet, solo per dire degli artisti più celebri che hanno costituito un fondamentale ponte tra la pittura accademica di paesaggio in Francia e gli impressionisti. Ai loro esordi infatti Monet, Bazille, Sisley e Pissarro si ritrovano negli stessi anni a dipingere in questo luogo mitico, rielaborando la lezione dei maestri più anziani e sviluppando in particolare un’attenzione affatto nuova per il dato atmosferico e l’importanza della luce.
Intitolata Paesaggi dell’impressionismo, la quarta sezione abbraccia oltre 150 opere, dunque il cuore vero di tutta la mostra. Non più solo il paesaggio, ma i paesaggi. Un plurale che si rende necessario per raccontare la ricchezza e diversità di visione che a partire dai primi anni settanta, e fino agli albori del nuovo secolo, tanti pittori della generazione impressionista hanno saputo tradurre nelle loro opere. In quasi quarant’anni di
pittura, non solo matura e giunge a compimento il linguaggio impressionista più universalmente noto, ma di lì si evolvono in modo assolutamente perentorio singole figure di artisti che apportano ulteriori e più fecondi elementi di novità. Se al primo momento dunque possiamo associare i nomi, tra gli altri, di Sisley, Pissarro, Guillaumin e Caillebotte, i veri giganti di questa irripetibile stagione sono Manet prima di tutti, e poi Gauguin, Monet, van Gogh e Cézanne. Artisti il cui ruolo dominante è testimoniato in mostra da ampi gruppi di opere di qualità assoluta.
L’impressionismo non nasce con un manifesto programmatico stilato in un momento preciso da un maître à penser. E la prima esposizione, presso lo studio fotografico di Nadar nell’aprile del 1874, è solo il battesimo ufficiale di un movimento. I cui protagonisti in realtà si frequentavano già da diversi anni, stimolandosi a vicenda nella ricerca di un linguaggio diverso da quello proposto nei Salon, di un modo nuovo di guardare alla realtà e di farne esperienza. Questa sezione vuole dunque restituire il senso di tale confronto continuo che ha animato le esistenze degli impressionisti, del loro cimentarsi molto spesso su soggetti simili, nello stesso tempo o a distanza di anni, in perfetta solitudine o l’uno a fianco dell’altro. E sarà dunque anche inevitabile, e affascinante, verificare quanto l’apporto di un pittore sia leggibile nell’opera di un altro. Quanto cioè l’impressionismo sia sostanzialmente un riandare continuo, ciascuno con la propria sensibilità, alla natura, tutta, che ci circonda, per coglierne fin dove possibile la fuggevole bellezza. O per trasferirvi, è il caso emblematico di Monet, nel periodo ultimo di Giverny, il senso lacerato di una visione, e, per van Gogh, la corrispondenza con il suo più intimo sentire.
In una succedersi affascinante le opere saranno disposte per nuclei tematici. Dalle vedute di Parigi realizzate da molti tra gli impressionisti, Caillebotte in primis, al gruppo fondamentale centrato sulla campagna francese, dove tanti tra questi artisti danno il meglio di loro stessi. Quindi il tema dell’acqua, ovvero i fiumi di Francia, dalla Senna all’Oise, e poi i quadri dedicati al mare, da quelli celeberrimi di Manet, e dai molti che Monet vi dedicò soprattutto durante i soggiorni importanti in Normandia o in Costa Azzurra, fino all’esaltazione dell’accecante luce mediterranea nei quadri di Signac.
Sempre restando al tema delle città, un ruolo centrale, anche per i quadri dipinti fuori Parigi, l’avrà ancora Monet, con le immagini di Londra, di Amsterdam e di Venezia, e ancora della cattedrale di Rouen che vivrà in un magnifico raffronto con una superba versione della chiesa di Moret dipinta da Sisley. Questo capitolo della mostra includerà anche i viaggi che gli impressionisti fecero. Allora le visioni olandesi e inglesi di Monet si alterneranno a quelle provenzali di Cézanne, sublimi lungo tutto il corso della sua vita. Senza dimenticare la Bretagna, primo eden abitato da Gauguin e Bernard, e il mitico Sud cercato e dipinto da Van Gogh dopo la scoperta della pittura impressionista fatta a Parigi.
Talvolta gli impressionisti non dipingono neppure nella chiarità di un campo o sulla riva del fiume, ma si fermano alla brevità del giardino di casa. A Il giardino è intitolata infatti la quinta e ultima sezione dove sono presentati molti dei capolavori più alti di tutta la mostra. A cominciare per esempio da Un angolo del giardino a Rueil dipinto da Manet nel 1882, qualche mese prima della sua morte. La necessità che Manet conserva fino all’ultimo di dipingere en plein air è uno dei tratti comuni che lo legano ancora all’esperienza impressionista. Qui però la dimensione di dialogo intimo che egli rende avvertibile nella sua opera è un’assoluta novità. Quando infatti gli impressionisti dipingevano un giardino era per ambientarvi una scena di famiglia o per esaltare la propria abilità nel rendere i giochi di chiaroscuro che la luce creava con la vegetazione. È quanto si può vedere nel Parco a Yerres dipinto da Caillebotte. A una visione più aperta e meno scintillante di riverberi luminosi, si rifà Pissarro che a distanza di vent’anni l’una dall’altra dipinge due opere, gli Orti a L’Hermitage, Pontoise del 1874 e gli Alberi in fiore. La casa dell’artista a Éragny, in cui lo spazio del giardino è riletto come luogo di vita, dove l’uomo appare con le fatiche del lavoro quotidiano.
Per molti degli impressionisti il giardino continuerà a esser letto come il luogo della fioritura, della vita felice che nasce. Questo tipo di soggetto non poteva che affascinare van Gogh al suo arrivo a Arles, nella primavera del 1888. Il Frutteto stretto dai cipressi è infatti il tentativo felicemente riuscito di fermare sulla tela la bellezza effimera e gioiosa che la natura stava regalando ai suoi occhi. E anche se sono riconoscibili dei debiti nei confronti della cultura figurativa giapponese, è altrettanto evidente che, proprio in queste opere, van Gogh torna quasi istintivamente a riallacciarsi al più puro stile impressionista. Con la formulazione commovente di una pittura della luce e dello spazio che è tra gli esiti di più intima poesia leggibili nella sua opera.
Il tema del giardino è però forse quello che per eccellenza va ricondotto all’opera di Monet e al tempo ultimo della sua vita a Giverny. La mostra infatti si conclude, lontanissima da dove era partita, già ben dentro il XX secolo. Eppure, d’altro canto, vicina a certi quadri di Turner che, ancor prima della metà del secolo precedente, erano già dispersione dentro la tempesta del colore. Fosse essa di luce o neve.
Alcune visioni del giardino, dei glicini e delle ninfee di Monet, esposte nell’ultima sala della mostra, sigillano, nella decantazione della materia dipinta, un percorso fatto ormai di fiorite sottrazioni di luce. La natura è diventata il respiro del cosmo, la voce di un infinito nata dallo stagno incantato di Giverny.

Ed io sono ancora qui?Che tristezza...!!!

Alla prossima... ;)

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by Sordido1981 at 21:15 | 2 comments (create) - (View)